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Dec 03, 2023

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Foto: Ron Galella/Ron Galella Collection a través de Getty Images list A&E/Lifetime's

Foto: Ron Galella/Colección Ron Galella a través de Getty Images

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El último documental de A&E/Lifetime, 'TLC Forever', presenta imágenes nunca antes vistas e historias no contadas del icónico legado del grupo, desde sus tribulaciones hasta sus triunfos.

Cuando Tionne "T-Boz" Watkins, Lisa "Left-Eye" Lopes y Rozanda "Chilli" Thomas unieron fuerzas como TLC, el panorama de los grupos de chicas cambió para siempre.

Durante su emocionante carrera, TLC batió récords, estableció nuevas tendencias de estilo y arrojó luz sobre temas importantes como el VIH/SIDA y la imagen corporal. Su sonido único y su voluntad de asumir riesgos ayudaron a consolidar su estatus como uno de los grupos femeninos más vendidos de todos los tiempos. Y ahora, su legado está inmortalizado en una película.

TLC Forever, un nuevo documental que se estrenará en A&E/Lifetime el 3 de junio, se sumerge en los altibajos drásticos de la carrera de 30 años del trío. En medio de sus muchos logros increíbles, también hubo mucha lucha, incluida la bancarrota, peleas en los titulares y tragedia. Como Watkins declaró en broma en los GRAMMY de 1996, "TLC dejará este negocio siendo recordado por muchas cosas".

La película de casi 120 minutos sigue al icónico trío musical desde su primer encuentro hasta la prematura muerte de Lopes en 2002, y sigue a Watkins y Thomas mientras se preparan para actuar en el Festival de Glastonbury de 2022. Será particularmente especial para los fanáticos, ya que el documental ve a Watkins y Thomas ver las extrañas imágenes con el gerente de toda la vida, Bill Diggins, en tiempo real.

Ya sea que esté familiarizado con la historia de TLC o esté ansioso por aprender más, vale la pena ver TLC Forever. A continuación, eche un vistazo a cinco conclusiones clave del documental.

En la primavera de 1994, apenas cinco meses antes de que saliera el éxito de ventas CrazySexyCool de TLC, Lopes buscó vengarse de su entonces novio, el ex receptor abierto de los Atlanta Falcons, Andre Rison. Después de que supuestamente lo descubrió haciendo trampa, Lopes prendió fuego a un par de sus zapatillas en una bañera en su mansión de dos pisos, que posteriormente se extendió al resto de la casa.

Acusada de incendio premeditado, puesta en libertad condicional por cinco años y sentenciada a una multa de $10,000, la rapera de entonces 23 años nunca pudo deshacerse de su reputación de "loca" provocada por el incidente. Sin embargo, TLC Forever descubre detalles que le dan más contexto a sus acciones.

En el documento, Thomas describe la relación de Lopes y Rison como "tóxica", antes de agregar que "siempre estaba pasando algo". Meses después de que comenzaron a salir, Lopes y Rison tuvieron una acalorada discusión en el estacionamiento de una tienda de comestibles, donde supuestamente Rison la agredió y disparó un tiro de advertencia para evitar que los transeúntes se involucraran.

"Me sentí tan mal por ella, porque cuando entré en la habitación, solo recuerdo la expresión de su rostro", dice Watkins en la película, refiriéndose al incendio de la casa. "Le arrancaron las uñas, estaba arañada, magullada y sangrando, y todo el mundo la miraba como '¿Qué hiciste?' Y no todos respondieron como deberían haberlo hecho".

Como muchos fanáticos saben, Lopes había protestado por el sencillo principal de CrazySexyCool, "Creep", debido a que la letra promovía la infidelidad (especialmente en medio de la actual epidemia de SIDA, que cobró casi 42,000 vidas solo en los EE. UU. ese mismo año). Además, el líder de la lista iba en contra de lo que TLC había sido conocido: usar condones en ropa holgada como una forma de abogar por el sexo seguro.

Aunque la canción en realidad se inspiró en los problemas de la relación de Watkins, Lopes temía que Rison pensara que ella lo estaba engañando, lo que posiblemente desencadenaría más supuestos abusos dentro de su tumultuosa relación. Entonces, para el remix, escribió un verso advirtiendo a los oyentes de las consecuencias de la fluencia: "Creepin 'puede causar un comportamiento histérico en la mente / Poner tu vida en un aprieto y en el tiempo / Hacerte víctima de un crimen pasional", rapea. .

Al principio del romance de larga data de Thomas con el productor de LaFace, Dallas Austin, quedó embarazada antes del álbum debut del trío, Ooooooohhh... On the TLC Tip, que puso en peligro su futuro con el grupo. Sin recibir mucho apoyo de Austin y temiendo que el entonces gerente Perri "Pebbles" Reid se enterara, Thomas abortó a regañadientes a la edad de 20 años, calificándolo de "experiencia horrible" en el documental.

"Después de eso, probablemente experimenté algún tipo de crisis nerviosa. No podía perdonarme a mí misma", dice. "Sentí una tremenda culpa por lo que había hecho, y esa culpa por no haber sido tratada adecuadamente es lo que me hizo aferrarme más a Dallas".

En 1997, Thomas y Austin tuvieron un hijo llamado Tron, que en muchos sentidos actuó como cierre para el cantante. "Una vez que tuve a Tron, realmente puso en perspectiva la relación que tenía con Dallas. Estaba claro que no era una relación funcional, saludable y amorosa", admite. Se separaron un par de años después, todavía trabajando juntos creativamente y criando a su hijo, que ahora tiene 26 años.

Leer más:La evolución del grupo de chicas: cómo TLC, BLACKPINK, The Shirelles y más han elevado la expresión femenina

A pesar de que CrazySexyCool vendió 15 millones de copias en todo el mundo, generó dos éxitos No. 1 en el Billboard Hot 100 y ganó dos GRAMMY, TLC se declaró en bancarrota del Capítulo 11 en 1995 antes de una pausa de cinco años que se prolongó por la tensión dentro del grupo. En los meses previos al tercer esfuerzo de estudio de TLC, FanMail, cuyo título fue acuñado por Lopes y dedicado a los fans, Lopes expresó su descontento con el proyecto después de que Dallas Austin rechazara un puñado de sus canciones.

"No puedo respaldar al 100 por ciento este proyecto de TLC y la música que se supone que me representa", dijo Lopes en una entrevista de 1999 con Vibe, que alimentó los rumores de una ruptura. "Esta será mi última entrevista hasta que pueda hablar libremente sobre la verdad y presentarme en mi proyecto en solitario".

Casi al mismo tiempo, Lopes desafió a Watkins y Thomas a grabar álbumes en solitario y ofreció un premio de $ 1,5 millones para el miembro que vendiera la mayor cantidad de copias. Los raps de Lopes solo se pueden escuchar en tres de las 17 pistas de FanMail, y aunque gran parte de su ausencia ciertamente se debió a un conflicto interno, Watkins y Thomas confirmaron que Lopes estaba creativamente "simplemente no coincidía" con lo que Austin estaba produciendo. En el momento del fallecimiento de Lopes, ella estaba en un retiro espiritual de 30 días en Honduras, partes de las cuales fueron grabadas y lanzadas como el documental póstumo de 2007 The Last Days of Left Eye.

En 2006, Watkins luchó en privado contra un neuroma acústico, un tumor cerebral potencialmente fatal que se encontraba en sus nervios faciales, auditivos y de equilibrio. La entonces mujer de 36 años se sometió a una cirugía para extirpar el tumor, un riesgo exacerbado por sus continuas complicaciones de la anemia de células falciformes desde la infancia.

"[El doctor] dijo que en caso de que algo salga mal y no pueda salvar tu audición, tu rostro o tu equilibrio, dame la orden de que quieres salvarte", dijo en el documento. "Esta industria se trata de tu cara, tu voz, tu baile, ese es todo mi trabajo. Entonces, me quitaron el equilibrio, salvé mi cara en su mayor parte, [y] solo perdí el tres por ciento [de mi audición] en el tiempo."

Watkins agregó que se sintió deprimida y poco atractiva durante muchos años después de la cirugía, hasta que su madre cambió su perspectiva. “Recuerdo que un día me miré en el espejo y comencé a llorar, y mi mamá dijo: 'No'. Ella dijo: 'Mira, este es solo tu viaje de regreso a la normalidad. No es así como te vas a quedar, así no es como vas a ser. Este es solo tu viaje de regreso a cómo empezaste'", recordó. . "Dije: 'Sí, está bien, si lo veo de esa manera, entonces todo lo que tengo que hacer es sobrevivir a esto y superarlo y puedo ser genial. Y luego comienza la lucha que estoy viviendo, estoy Voy a sobrevivir a esto, voy a vencer esto".

Ahora, con 53 años, Watkins sigue siendo fuerte. Sin embargo, la película brinda a los espectadores una mirada más profunda sobre cuánta preparación se requiere para que ella pueda actuar sin comprometer su salud. Antes y después de subir al escenario, Watkins debe recibir suficientes líquidos y oxígeno para mantener la inflamación al mínimo.

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Watkins y Thomas discuten la inmensa presión que enfrentaron por parte de su sello para seguir adelante sin Lopes, quien falleció trágicamente a los 30 años en un accidente automovilístico durante su viaje a Honduras. "Después de que Lisa falleció, la compañía discográfica dijo que iban a sacar un [álbum] de grandes éxitos si no terminábamos [3D], así que nos sentimos obligados a volver al estudio", dijo Watkins en TLC Forever. "Nos dieron un ultimátum". Thomas agregó: "Tuvimos una visión de túnel, solo terminémoslo".

A pesar de obtener el platino, 3D fue visto como un fracaso comercial según los estándares de TLC, vendiendo menos de 700,000 copias y su sencillo principal, "Girl Talk", alcanzó el puesto 28 en el Hot 100. Luego de su primera presentación en vivo sin Lopes en Z100's anual concierto de Zootopia en 2003, la industria de la música aparentemente los descartó, pero Thomas dijo que nunca sintió que realmente había terminado. No fue sino hasta su concierto VH1 Super Bowl Blitz en 2014 que los promotores comenzaron a comunicarse, lo que finalmente los llevó a la mayor actuación de su extraordinaria carrera: subir al escenario en Glastonbury el año pasado.

"La mayor recompensa es cuando ya no tienes la canción número 1 y puedes vender tus giras", dice Thomas mientras termina la película. "Eso significa que tienes un gran cuerpo de trabajo que puede resistir el paso del tiempo, y el tiempo nos ha dicho que lo hicimos bien. Lo hicimos bien".

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Foto: M. Caulfield/WireImage para VH-1 Channel - Nueva York

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Ya sea "Tears of a Clown" o "Tears in the Club", escucha algunas de las canciones más furtivamente tristes de Outkast, TLC, Avicii y más.

En 2003, OutKast anotó su segundo hit No. 1 con "Hey Ya!" La pista atemporal tiene una energía optimista que te hace querer sacudirla como una foto polaroid, hasta que te das cuenta de su letra bastante infeliz.

"¿Estamos tan en negación cuando sabemos que no somos felices aquí?" André 3000 canta en el segundo verso. La línea que sigue puede resumir su naturaleza contrastante: "Ustedes no quieren escucharme, solo quieren bailar".

La capacidad de hacer que los oyentes sientan (y reaccionen físicamente) a una amplia gama de emociones es parte del genio de la composición de canciones. Melodías como "Hey Ya!" — una narración triste disfrazada por una melodía contagiosa — es un truco que ha sido dominado por Outkast, REM, Smokey Robinson, Robyn y muchos más.

Si alguna vez bailaste alegremente al ritmo de un ritmo antes de darte cuenta de que la letra en la parte superior es en realidad un gran fastidio, ciertamente no estás solo. BBC y Apple Music llaman a estas pistas Sad Bangers, un nombre apropiado para lo que se ha convertido en un género no oficial durante el último medio siglo.

A la luz del Mes de Concientización sobre la Salud Mental este mayo, GRAMMY.com compiló una lista de 15 canciones que lo harán sentir y pondrán su cuerpo en movimiento.

La música alegre de este clásico de Motown fue escrita por Stevie Wonder, un ganador de 25 GRAMMY que es hábil en la elaboración de lágrimas que harán que tu cuerpo baile alegremente. La canción con fondo de fagot se registra a 128 latidos por minuto, un tempo que aún es el favorito de los productores de música dance moderna. Entonces, cuando Smokey canta, "Las lágrimas de un payaso/Cuando no hay nadie alrededor", también se te perdonará que te llenes un poco mientras estás en el ritmo.

Gloria Gaynor reinventó el éxito pop de 1971 de los Jackson 5 "Never Can Say Goodbye" para la era disco. Los amplios arreglos de cuerdas y el ritmo del trote ayudaron a llenar las pistas de baile y a crear una canción conmovedora sobre aferrarse a un amor propio. Otras versiones de portada de Isaac Hayes and the Communards también capturan el ambiente contradictorio.

El dúo británico Tears For Fears se hizo conocido internacionalmente después de equipar su primer éxito bailable con un coro dramático y deprimente que es difícil de quitar incluso 40 años después de su lanzamiento: "Me parece un poco divertido, me parece un poco triste, los sueños en los que Estoy muriendo son los mejores que he probado". Más tarde, Roland Orzabal y Curt Smith lanzarían temas más inspiradores, como "Todos quieren gobernar el mundo" y "Sembrando las semillas del amor".

Kate Bush ha tenido tres giros en las listas de éxitos de todo el mundo con "Running Up That Hill", comenzando con su lanzamiento en 1985 y luego como una canción poco probable en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Verano en 2012.

"Y si tan solo pudiera, haría un trato con Dios/Y conseguiría que intercambiara nuestros lugares/Corría por ese camino/subía esa colina/Sin problemas", canta en el coro de la pista de carreras, deseando estar más libre de preocupaciones.

Más recientemente, una ubicación en el drama de Netflix Stranger Things en 2022 le valió al lloroso número de baile dirigido por una tecla menor una nueva generación de fanáticos. El artista inglés fue nombrado recientemente miembro del Salón de la Fama del Rock & Roll de 2023.

El cantante principal de Midnight Oil, Peter Garrett, canalizó la rabia que sintió por el cambio climático temprano y la falta de derechos territoriales aborígenes en el interior de Australia en "Beds Are Burning". La poderosa melodía de baile inundó las ondas de radio y las pistas de baile de todo el mundo a finales de los años 80, alcanzando el puesto 17 en la lista Billboard Hot 100.

"¿Cómo podemos bailar cuando la Tierra está girando?" él canta en el coro entusiasta. "¿Cómo dormimos mientras las camas se están quemando?"

Garrett claramente tenía una conexión personal con el mensaje de anhelo de la canción: más tarde dedicó su vida al activismo ambiental como líder de la Fundación Australiana para la Conservación y se convirtió en miembro electo de la Cámara de Representantes de Australia.

Un éxito de música house sobre una mujer sin hogar, "Gypsy Woman (She's Homeless)" ayudó a la cantante de Nueva Jersey Crystal Waters a lograr el éxito internacional a pesar de un tema algo sombrío. Una parodia posterior de la serie de comedia de bocetos "In Living Color" llamó la atención sobre el contraste de tener una instrumentación alegre y optimista con letras desalentadoras.

"Ella es como tú y como yo/Pero no tiene hogar, no tiene hogar", resuena el coro. "Mientras ella se para allí cantando por dinero/La da dee la dee da..."

Esta alegre colaboración es entre el grupo de rock REM y la cantante de B-52, Kate Pierson. El pop de guitarra tintineante te hace querer aplaudir y pisar fuerte, pero la letra te hace preguntarte si todo es realmente tan brillante y feliz.

Se rumorea que la canción trata sobre la masacre en la Plaza Tiananmen de China, porque la frase "Gente feliz y brillante" apareció en los carteles de propaganda. Sin embargo, Pierson no está tan seguro de eso.

"No puedo imaginar que REM estuviera pensando en ese momento, Oh, queremos que esta canción sea sobre la propaganda del gobierno chino", dijo en una entrevista de 2021 con Vulture. "Se suponía que iba a ser brillante y feliz. Fue algo positivo en general".

"Waterfalls" fue un éxito mundial para TLC en 1994, gracias a su coro cantado y su línea de bajo funky. El rebote insistente de la canción suaviza una firme advertencia lírica que aleja a la gente del borde: "No vayas tras las cascadas/Por favor, apégate a los ríos y lagos a los que estás acostumbrado/Sé que lo tendrás a tu alcance". manera o nada en absoluto / Pero creo que te estás moviendo demasiado rápido ".

"Queríamos hacer una canción con un mensaje fuerte: sobre sexo sin protección, ser promiscuo y pasar el rato con la gente equivocada", compartió Rozonda "Chilli" Thomas con The Guardian en 2018. "Los mensajes en 'Cascadas' llegaron a casa. Creo que es por eso que es nuestro mayor éxito hasta la fecha".

André 3000 canta sobre las relaciones sin amor con un ritmo de baile caprichoso y cambiante en este éxito que encabeza la lista Billboard Hot 100. La seriedad de la canción, que André 3000 explicó una vez que trata sobre "el estado de las relaciones en la década de 2000", se perdió entre muchos oyentes.*

Su letra infeliz fue enmascarada por el canto alegre de André, así como por la guitarra tintineante y el ritmo dirigido por el teclado de la canción, que duplica de manera contagiosa la velocidad al final de cada cuatro tiempos. Incluso los mismos Outkast no pudieron evitar reconocer la yuxtaposición de la canción en un tweet de 2021.

Un penúltimo ejemplo de un éxito triste es "Dancing On My Own" de la estrella pop sueca Robyn. La canción triste, un éxito entre los 10 primeros en varios países, te ordena sacudir tus cosas, mientras te imaginas viendo a tu ex mudarse en el club. La portada de 2016 de Calum Scott realmente saca a relucir la tristeza que puede oscurecerse con la versión uptempo de Robyn.

"Dije, estoy en la esquina, mirándote besarla, oh no / Y estoy justo aquí, ¿por qué no puedes verme?" Robyn canta en el coro. "Y lo estoy dando todo / Pero no soy la chica que te llevarás a casa".

divertido. (el trío de Jack Antonoff, Andrew Dost y Nate Ruess) es mejor conocido por la poderosa balada de pop-rock que capta el espíritu de la época "We Are Young", que trata sobre el implacable entusiasmo positivo de la juventud en la ciudad. La canción principal de su álbum de 2012 Some Nights (que contiene "We Are Young") es una canción mucho más bailable pero más triste.

"¿Para que estoy yo?" Ruess pregunta mientras tus pies se arrastran al ritmo. "La mayoría de las noches, ya no sé".

Avicii colaboró ​​​​con el cantante pop conmovedor Aloe Blacc para este éxito mundial que se considera uno de los himnos máximos de EDM. El ritmo de bofetadas enmascara la letra triste y autorreflexiva de la canción sobre estar perdido.

La muerte por suicidio del DJ/productor sueco en 2018 agrega un aire aún más pesado al coro apasionado de Blacc: "Así que despiértame cuando todo termine/Cuando sea más sabio y sea mayor/Todo este tiempo me estaba encontrando a mí mismo, y yo /No sabía que estaba perdido".

"Never Be Like You" no es el corte más rápido en la discografía de bajo pesado del DJ/productor australiano Flume, pero la pista tenue todavía tiene un golpe irresistible. La cantante canadiense Kai le ruega a su amante que no la deje ("¿Cómo hago para que quieras quedarte?"), pero su tono encantador aún logra mantener la canción llena de esperanza.

Quizás la selección más abierta de toda esta lista es "Tears In The Club", que encuentra a FKA twigs y The Weeknd saliendo a la pista de baile para sacudirse los vestigios de una mala relación. El cantante/bailarín ha sido sincero acerca de estar en una relación abusiva, y la canción es un bop discreto que se ve animado por cánticos desesperados como "Podría morir con el ritmo, amor".

Casi 30 años después de que el DJ/productor Todd Terry ayudara a presentar Everything But the Girl a la comunidad internacional de música dance con un remix de "Missing", el dúo se inclinó hacia su lado electrónico en "Nothing Left to Lose". Un sencillo de su primer álbum en 24 años, Fuse, "Nothing Left to Lose" presenta una línea de bajo electrónica sofocante que contrasta con el anhelo impotente de la canción.

"Necesito una piel más gruesa / Este dolor sigue entrando / Dime qué hacer / Porque siempre te he escuchado", canta Tracy Thorne de la pareja en el verso inicial. Más tarde, ella hace una demanda que resume adecuadamente los conflictos de un triste éxito por excelencia: "Bésame mientras el mundo se descompone".

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Fotos (LR, en el sentido de las agujas del reloj): GAB Archive/Redferns, Ron Galella/Ron Galella Collection vía Getty Images, Kevin Winter/Getty Images, Chung Sung-Jun/Getty Images

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Desde las Supremes hasta las Spice Girls, sumérgete en la historia de los grupos de chicas y cómo sus canciones, actuaciones y poder vocal cambiaron la cultura pop.

Durante más de ocho décadas, los grupos de chicas han armonizado su camino hacia la conciencia colectiva, poniendo el empoderamiento femenino en primer plano y cambiando la cultura en el camino.

Por supuesto, los grupos de chicas han llegado en muchas formas: están las Andrew Sisters, ideales para familias, Labelle con infusión de funk rock y Destiny's Child, que se inclina por el R&B. A medida que ha evolucionado la construcción del grupo de chicas, también lo ha hecho su impacto cultural, mientras que actos como las Supremes ayudaron a impulsar la música popular en una dirección más diversa en Estados Unidos, los grupos de J-Pop y K-Pop han ayudado a que los grupos de chicas sean vistos a través de un mundo global. lente en los últimos años.

Lo que ha unido a todos estos grupos son sus registros contagiosos e inspiradores, que han alentado a las mujeres a expresarse y sentirse empoderadas al hacerlo. Grupos como Spice Girls y Shangri-Las, por ejemplo, han ayudado a las mujeres a expresar todos sus aspectos, recordándole al mundo que hay alegría y belleza en contraste.

A medida que el Mes de la Historia de la Mujer se acerca a su fin, GRAMMY.com celebra a todas las mujeres poderosas que han sido parte de la evolución de los grupos de chicas. (Para reducir el campo, caracterizamos a un grupo de chicas como actos con un mínimo de tres miembros y un enfoque en la interpretación vocal; por eso no verás bandas como Go-Gos o Chicks en esta lista).

A continuación, echa un vistazo a cómo los grupos de chicas han cambiado tanto en estructura como en impacto durante casi 90 años, y contando, y escucha la lista de reproducción oficial de GRAMMY.com de grupos de chicas en Amazon Music, Spotify, Apple Music y Pandora.

Aunque las mujeres sin duda han cantado juntas desde el principio de los tiempos, el concepto formal de grupo de chicas surgió en algún momento de los años 20 o 30, con el aumento de la popularidad de actos familiares estrechamente armonizados como las Hermanas Boswell y las Hermanas Hamilton (las el último de los cuales se convertiría en Three X Sisters). Los grupos realmente comenzaron a ver un aumento en popularidad a principios de la Segunda Guerra Mundial, tal vez porque la entrada de más mujeres en la fuerza laboral abrió la mente de las personas a la idea del grupo de chicas pop, o tal vez porque los soldados en el extranjero buscaban consuelo y una leve emoción. a través de los sonidos suaves y las apariencias atractivas de los grupos.

Las Andrews Sisters, que se formaron oficialmente en 1937 como un acto tributo a las Boswell Sisters, se convertirían en las más populares de las hermanas, montando temas como "Boogie Woogie Bugle Boy", "Don't Sit Under The Apple Tree (With Everyone Else But Me)" y "Beer Barrel Polka (Roll Out The Barrel)" directamente a la cima de las listas. Se les considera uno de los grupos de chicas más exitosos de todos los tiempos, vendiendo aproximadamente 80 millones de discos y contando. Otros grupos de chicas siguieron el acto de Andrews, incluidas las Dinning Sisters, que lanzaron " They Just Chopped Down The Old Apple Tree " como respuesta al éxito de sus rivales.

Las Andrews Sisters continuaron siendo populares hasta bien entrada la década de los 50, inspirando a grupos similares de armonías cercanas como las Chordettes, que tuvieron éxito con temas como "Mr. Sandman" y "Lollipop", y las Lennon Sisters, que se convirtieron en un pilar de "The Espectáculo de Lawrence Welk".

Alrededor de la mitad de la década, los grupos de chicas comenzaron a sacar un poco más del movimiento doo-wop, con canciones como "Mr Lee" de Bobbettes que ayudaron a allanar el camino para que llegara una ola de grupos de chicas exclusivamente negras. Los Chantels, que se habían juntado para cantar en un coro, siguieron rápidamente con "Maybe", que solidificó el estilo del género con una mezcla de rock, pop y doo-wop que actuaría como una plantilla sónica en los años venideros.

En 1961, las Shirelles encontraron un rápido éxito con temas como "Tonight's The Night" y "Will You Still Love Me Tomorrow", que se convirtió en el primer corte de un grupo de chicas en llegar al número 1 en la lista Hot 100 de Billboard. El grupo tendría cinco sencillos más exitosos a lo largo de la década e inspiró a actos como Marvelettes, cuyo "Please Mr. Postman" se convertiría en el primer sencillo número 1 de Motown Records.

Ansiosa por aprovechar ese éxito, Motown invirtió mucho en la creación de más grupos de chicas, creando tríos y cuartetos a partir de varias cantantes a las que podrían haber mirado anteriormente para trabajar en solitario o incluso dejar de firmar. Ese tipo de moldeado con mentalidad empresarial es lo que produjo Martha and the Vandellas, the Velvetettes y un pequeño acto llamado Supremes, que se convertiría en el grupo vocal estadounidense más exitoso de todos los tiempos, según CNN. El éxito de los actos de Motown, la mayoría de los cuales eran negros, también fue una señal de la creciente aceptación de la cultura estadounidense de la integración de la música popular.

Habiendo visto el éxito que tuvo Motown en la creación consciente de sus grupos de chicas, otros productores y sellos independientes pequeños buscaron capturar algo de ese rayo en una botella para ellos. El sello Philles aprovechó el sonido de los Crystals y los Ronettes, mientras que Jerry Lieber y Mike Stoller firmaron el Shangri-Las y los Dixie Cups para su sello Red Bird. Canciones como "Give Him A Great Big Kiss" de Shangri-Las ofrecieron una perspectiva sorprendentemente real sobre los enamoramientos de las chicas adolescentes, mientras que "Leader Of The Pack" ayudó a traer la perspectiva femenina a un subgénero de canciones sobre macabras tragedias adolescentes previamente dominadas por todos. actos masculinos como Jan And Dean y Wayne Cochran And The CC Riders.

Formado por primera vez en los años 60 como Patti LaBelle and the Bluebelles, Labelle sacó el género de los calcetines y lo llevó al club nocturno, convirtiéndose en uno de los principales grupos de chicas de los años 70. Sus sencillos funky con infusión de rock no se parecían a nada que los aficionados a los grupos de chicas hubieran escuchado antes, y en 1974, el grupo capturó el corazón de Estados Unidos con "Lady Marmalade", una canción ligeramente sugerente que irrumpió en las discotecas y en la conciencia colectiva. Otros actos formados originalmente en los años 60 tuvieron un éxito similar, como Three Degrees, que tuvo una serie de éxitos, incluido el soleado y relajante "When Will I See You Again".

Sister Sledge también aprovechó el auge disco, creando éxitos duraderos como "We Are Family" y "He's The Greatest Dancer". Las Pointer Sisters atravesaron un arcoíris de géneros, incluido el R&B (el funky "Yes We Can Can" de 1973) y el country ("Fairytale" de 1974, que ganó un GRAMMY a la mejor interpretación country de un dúo o grupo con voz en 1975), antes encontrando su mayor éxito a principios de la próxima década con pistas como la sensual "Slow Hand" y la más frenética "I'm So Excited".

Los grupos de chicas pasaron por un momento de calma en los años 80, cuando la cultura se inclinó hacia el hair metal y el hip-hop. Algunos actos aún lograron abrirse paso, capturando los corazones de los oyentes con cortes aptos para bailar imbuidos de un estilo latino de estilo libre. Lleno de sintetizadores y percusión sincopada, el estilo libre irrumpió en clubes y fiestas en Nueva York y Filadelfia, encontrando un arraigo particular entre el público hispano e italoamericano.

Exposé de Miami fue uno de los actos de estilo libre más grandes de la década, combinando armonías de grupos de chicas con sonidos sintéticos para éxitos como "Point Of No Return" y "Seasons Change". Dos grupos de Nueva York, Sweet Sensation y The Cover Girls, tuvieron un éxito de estilo libre que unió los años 80 y 90. "Never Let You Go" de Sweet Sensation arrasó en las listas de éxitos dance, y aunque "Show Me" y "Because Of You" de Cover Girls no fueron tan populares, todavía ocupan un lugar especial en los corazones de los fanáticos del estilo libre.

Los grupos de chicas rugieron de nuevo en los años 90, gracias en parte a la emergencia del new jack swing y un renovado interés en los estilos vocales suaves del R&B. En Vogue fue uno de los primeros grupos en triunfar en los años 90, con el sencillo debut "Hold On" que llegó por primera vez a las listas de Billboard en 1990. Sus canciones más importantes llegaron más tarde en la década, con los poderosos "Free Your Mind" y " Dándole algo que pueda sentir", mostrando el rango vocal y el carácter del cuarteto.

Dos grupos de Atlanta también se destacaron al mismo tiempo que En Vogue. Primero fue el cuarteto callejero Xscape, que aprovechó los sonidos de 1993 con temas como "Just Kickin' It".

TLC tuvo un arco más dinámico, irrumpiendo primero en la conciencia colectiva con el nuevo "Ooooooohh... On The TLC Tip", infundido con jack swing, que presentaba tres sencillos entre los 10 primeros, incluido "Ain't 2 Proud 2 Beg". Los pantalones holgados y la estética hip-hop del grupo traspasaron los límites de los grupos de chicas, en parte porque sus miembros reconocieron sus deseos sexuales, así como la necesidad de que todos tuvieran sexo seguro. Más adelante en la década, TLC se elevaría a alturas aún mayores con pistas como "Waterfalls" y "No Scrubs", ganadora del GRAMMY, la última de las cuales fue coescrita por dos miembros de Xscape.

Destiny's Child surgió inicialmente de Houston a finales de los 90 como un cuarteto, aunque luego perderían algunos miembros y ganarían otros nuevos, terminando como un trío. Si bien era difícil ignorar el poder estelar de Beyonce, el trío generalmente funcionó como un grupo, produciendo una serie de gusanos auditivos bailables, que incluyen "No, No, No" y "Bills, Bills, Bills". Cuando se disolvieron en 2006, Destiny's Child vendió decenas de millones de discos y obtuvo tres premios GRAMMY (y un total de nueve nominaciones).

En el oeste, Chyna Phillips, Wendy Wilson y Carnie Wilson de Wilson Phillips estaban canalizando los sonidos de sus respectivos padres, que habían sido miembros de los Beach Boys y los Mamas & The Papas. Sus canciones presentaban armonías vocales y trataban en gran medida sobre el anhelo emocional, rechazando el baile y el funk que dominaron gran parte del dial de radio durante los años 90.

Los grupos de chicas también estaban ganando terreno en el Reino Unido durante los años 90, impulsados ​​por el auge de las bandas de chicos en el país por la misma época. Dos grupos, All Saints y Spice Girls, en realidad fueron formados por gerentes, algo que no ayudó a disipar la preocupación de los detractores de que gran parte de la música pop en ese momento era totalmente fabricada. (Otro pilar del Reino Unido, B*Witched de Irlanda, se unió orgánicamente).

De todos modos, tanto All Saints como las Spice Girls tuvieron éxito comercial, y estas últimas se volvieron absolutamente masivas no solo por pegadizas canciones pop como "Wannabe", sino por las personalidades singulares del quinteto y la fuerza de su mensaje de "poder femenino". Las Spice Girls incluso protagonizaron su propia película, "Spice World", que se estrenó en el apogeo de la Spice-manía en 1997 y generó comparaciones instantáneas con "A Hard Day's Night" de los Beatles.

Los grupos de chicas continuaron reinando a principios de la década de 2000. Varios grupos de chicas de la década de 2000 se formaron en la televisión como parte de la programación de la realidad, con la sensación británica Girls Aloud formándose en el programa de ITV "Popstars: The Rivals" y Danity Kane formando y desarrollando durante tres temporadas de "Making The Band" de Sean Puffy Combs. ." La televisión actuó como una gran plataforma de lanzamiento para estos actos pop, ya que los fanáticos a menudo se involucraron emocionalmente en el éxito del grupo al ver el programa, por lo que cuando salió un nuevo sencillo, se sumaron rápidamente.

Girls Aloud y Danity Kane, así como sus pares, como Dream, 3LW y Blacque, hicieron música pop que era sexy, segura y más grande que la vida, con videos musicales de apariencia costosa para combinar. Las canciones también cruzaron a menudo del pop a la radio urbana.

Otro de los grupos de chicas más exitosos (y más sexys) de la década de 2000 también se formó de una manera bastante indirecta. Las Pussycat Dolls tuvieron éxito con temas como "Don't Cha" y "Buttons", pero el origen real del nombre y la marca de las Pussycat Dolls se produjo casi 15 años antes, cuando un coreógrafo de Los Ángeles llamado Robin Antin lanzó una compañía burlesca. Después de que los eventos de su club y los bailarines se hicieron cada vez más populares (incluso posaron para Playboy), Jimmy Iovine de Interscope Records la instó a que adjuntara el nombre a un grupo de pop.

Antin reclutó a cinco cantantes que podían mantener una melodía y se veían bien, incluida Nicole Scherzinger, que inicialmente comenzó en Eden's Crush, otro grupo formado en un programa de televisión, la versión estadounidense de "Popstars", y las Pussycat Dolls rápidamente se pavonearon en diales de radio y listas de éxitos de Billboard con sus éxitos pegadizos de múltiples pistas (y a menudo subidos de tono).

Los grupos de chicas también se estaban volviendo populares en todo el mundo en los años 2000, con Las Ketchup de España produciendo la increíblemente pegadiza cancioncilla pop convenientemente llamada "The Ketchup Song", Play de Suecia alcanzó el éxito comercial en el mercado estadounidense y Atomic Kitten del Reino Unido se formó puramente como un vehículo de composición para Andy McCluskey y Stuart Kershaw de Orchestral Maneuvers In the Dark. Los miembros de este último iban y venían a lo largo de su carrera, pero canciones como "Whole Again" (que también fue grabada por Play) han resistido la prueba del tiempo.

Aunque la cultura K-pop moderna había comenzado en Corea del Sur a finales de los 90, realmente comenzó a ganar fuerza en los 2000, con bandas de chicos y grupos de chicas beneficiándose de la creciente ola Hallyu o coreana. Una de ellas, Wonder Girls, tuvo un rápido éxito a finales de la década del 2000 con temas que abarcaban géneros como "Tell Me" y "Nobody", gracias en parte a la capacidad de la artista pop de interpretar versiones en inglés de sus canciones mientras estaba de gira con The Hermanos Jonas.

Dos de los grupos de chicas más grandes de la década de 2010 también provinieron de programas de competencia de telerrealidad televisados. Little Mix, un cuarteto, se formó en "The X Factor" del Reino Unido y vino a redefinir la era de los grupos de chicas en Gran Bretaña, vendiendo más de 60 millones de discos y encabezando las listas con sencillos de alto octanaje como "Cannonball" y "Shout Out To". Mi ex."

En Estados Unidos, Fifth Harmony nació en "The X Factor", donde los cinco miembros habían competido individualmente la temporada anterior pero no lograron avanzar. Pero después de que los productores los trajeron de vuelta para competir como grupo, nació Fifth Harmony, y los espectadores eligieron el nombre y finalmente los ayudaron a obtener el tercer lugar en la competencia.

El quinteto surgió del programa que firmó con el sello discográfico del juez Simon Cowell, Syco, y como tantos grandes grupos femeninos anteriores, se embarcó en una gira por centros comerciales y programas de entrevistas antes de finalmente lanzar un disco pop teñido de hip-hop y R&B. Los fanáticos se aferraron a canciones como "I'm In Love With A Monster" y "Work From Home", el éxito monstruoso que ha obtenido miles de millones de visitas en YouTube desde su lanzamiento.

La ola de K-pop también continuó en la década de 2010, con grupos como Girls Generation y Twice, quienes rompieron el molde de un grupo de chicas tradicional al tener ocho y nueve integrantes, respectivamente. Al mismo tiempo, un acto de J-Pop, AKB48, ganó popularidad, con una estructura que los grupos de chicas no habían visto antes: tiene 80 miembros en total, y el grupo se divide en diferentes "equipos" en los que los miembros son elegidos. por fanáticos rabiosos. Los tres actos fueron literal y figurativamente masivos, vendiendo decenas de millones de LP de pop bubblegum altamente producidos y sencillos de baile más grandes que la vida.

El éxito de los grupos de chicas de K-pop se disparó a un nuevo nivel cuando BLACKPINK entró en escena en 2016, formándose después de que sus miembros se unieran a una academia de grupos de chicas y se sometieran a lo que equivale a un campo de entrenamiento de grupos de chicas. El resultado es una máquina musical afinada que produce éxito pop tras éxito pop, incluidos "Boombayah" y "DDU DU DDU DU", así como videos musicales que se han visto miles de millones de veces en línea.

Estimulada por la devoción de sus fanáticos (conocidos como BLINK), BLACKPINK también ha logrado acumular una impresionante lista de elogios. Fueron el primer acto asiático en encabezar Coachella, las primeras artistas femeninas de K-Pop en la portada de Billboard, y han acumulado la mayor cantidad de suscriptores de cualquier acto musical en YouTube. Pero no son el único grupo femenino de K-Pop que ayuda a los grupos de chicas a mantenerse con vida: grupos como Mamamoo y Red Velvet lanzaron éxito tras éxito en la década de 2010, y 2NE1 capturó corazones en todas partes con canciones como "Lonely" y "I Am The Best". " En 2012, 2NE1 emprendió lo que muchos consideran la primera gira mundial de un grupo femenino de K-pop, visitando 11 ciudades en siete países.

Flo, un grupo de chicas británicas cuyos miembros extraen de sus culturas individuales para crear un sonido único influenciado por el hip-hop, también fue influenciado por artistas como Ciara y Amy Winehouse. Aunque solo han estado juntos durante unos pocos años, su sonido retro único se hizo popular casi instantáneamente en el Reino Unido, con el sencillo debut "Cardboard Box" acumulando casi un millón de visitas en YouTube a los pocos días de su lanzamiento a principios de 2022. Otro éxito Le siguieron sencillos como "Immature" y "Summertime".

Otro grupo de chicas completamente moderno, Boys World, se formó después de que los gerentes encontraron videos de cinco mujeres diferentes cantando en línea y luego las contactaron para ver si querían formar un equipo. Dijeron que sí, abrieron una cuenta de TikTok y se mudaron juntos a una casa en Los Ángeles. Su enfoque completamente en línea para convertirse en un grupo de chicas ha cautivado al público, junto con sus himnos empoderadores.

La ola de K-Pop también ha seguido aumentando, con BLACKPINK encabezando Coachella en 2023 y NewJeans en rápido ascenso ganando la distinción de ser el primer acto coreano femenino en tocar en Lollapalooza a finales de este verano. Al igual que muchos grupos de chicas antes que ellos, ambos actos continúan rompiendo fronteras e impactando la cultura en general, demostrando que el género es tan vital como siempre.

Si bien es posible que no sean tan abundantes como en décadas pasadas, el movimiento de grupos de chicas ciertamente no se ha cerrado. Y con una amplia variedad de mujeres que aún cautivan a las audiencias de todo el mundo, es probable que los grupos de chicas continúen animando tu vida en los años venideros.

Escuche la lista de reproducción del Mes de la Historia de la Mujer 2023 de GRAMMY.com: Swim In The Divine Feminine con estas 40 canciones de Rihanna, SZA, Miley Cyrus, BLACKPINK y más

dulce tabú

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En el último episodio de ReImagined At Home, vea al grupo de chicas latinx Sweet Taboo agregar su propio sabor al clásico de R&B de TLC ganador del GRAMMY 1999 "No Scrubs"

¿Buscas los ingredientes para el grupo de chicas perfecto en 2021? Tres latinas de Los Ángeles tienen justo lo que necesitas.

Compuesto por el rapero ICP Bre y los cantantes Jen Torrejon y Sami Ramos, el grupo de chicas Latinx Sweet Taboo describe su sonido como una fusión de elementos latinos, rap y R&B.

Esa mezcla única se muestra en su totalidad en el último episodio de ReImagined At Home, mientras Sweet Taboo hace una versión carismática del clásico de R&B ganador del GRAMMY de 1999 de TLC, "No Scrubs". (La versión original de TLC de la canción ganó el GRAMMY a la mejor interpretación de R&B de un dúo o grupo con voz en la 42.ª entrega de los premios GRAMMY, que tuvo lugar en 2000; el álbum en el que apareció la canción, FanMail, ganó el GRAMMY a la mejor Álbum de R&B esa misma noche).

A pesar de tener solo dos canciones a su nombre, Sweet Taboo está saltando al estrellato gracias a sus versiones cautivadoras y sencillos prometedores como "Lil Bit" y "Used to It". Desde DJ Khaled hasta Kehlani, los nombres conocidos ya se han fijado en el grupo de Los Ángeles, que actualmente está trabajando en su EP debut homónimo.

Si disfrutaste la interpretación de Sweet Taboo de "No Scrubs", mira más episodios de ReImagined At Home a continuación.

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chucky thompson

Foto: Russell Webster

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Con una inclinación por combinar ritmos de percusión ásperos con muestras de soul clásico, el oído y la pasión de Chucky Thompson llegaron a definir el R&B y el hip-hop de los 90: escucha 10 de sus temas icónicos aquí.

Carl E. "Chucky" Thompson originalmente quería ser representante de artistas, pero su pasión por los ritmos fuertes, las muestras de soul y mantener la lealtad a sus colaboradores lo llevaron a cambiar el rostro del R&B y el hip-hop de los 90. Un músico autodidacta, nativo de Washington, DC, se inició tocando la percusión para la leyenda de la música go-go.mandril marrón's, The Soul Searchers, antes de unirseSean "Diddy" Peines' equipo de producción interno de Bad Boy Entertainment, The Hitmen, tras el éxito deMaría J. Blige'sMi vidaálbum en 1994.

"Ciertas cosas son solo la vida y Dios", dijo Thompson durante una entrevista reciente de GRAMMY.com, "esa situación surgió porque yo estaba en el lugar correcto en el momento correcto".

La noticia de su fallecimiento prematuro sacudió la industria de la música, pero el nominado al GRAMMY nos dejó música atemporal como arquitecto del soul hip-hop. Aquí hay 10 éxitos y cortes de álbumes que el amado Chucky Thompson produjo para varios artistas inmensamente talentosos, que abarcan géneros, que significaron el mundo para él.

Mary J. Blige había sido coronada Reina del Hip-Hop Soul tras el éxito de triple platino de su LP debut de 1992, What's the 411? pero estaba en busca de material para su segundo trabajo de 1994, My Life.

Frustrada porque las demostraciones no llamaron su atención de inmediato, junto con sus colaboradores del primer álbum que subieron sus precios, Thompson tomó algunas teclas con sonido de sirena que recuerdan al G-funk de la Costa Oeste para la introducción y redujo el tempo con un go-go hueco. tambores musicales para poner los pelos de punta a Blige. Estableció el tono para que Blige hiciera su álbum clásico y más personal hasta la fecha y para que Thompson asumiera la mayor parte de la producción de My Life.

El notorio GRANDEhizo descaradamente el himno de la playa por excelencia para todas las edades, cortesía del control del oído y la consola de Thompson en el invierno de 1994. "Big Poppa", con su reconociblehermanos IsleyLa muestra de "Between the Sheets" junto con un compás en bucle que Biggie soltó en el remix de "Dolly My Baby" de Super Cat, convenció a los oyentes y a la radio pop de que el rollizo maestro de ceremonias nacido en Brooklyn podía encantar a las mujeres y convertir ese carisma en placas de platino.

Ujier podría estar causando sensación en Las Vegas en este momento, pero en 1994, solo era un adolescente recién llegado que todavía intentaba encontrar su identidad musical. Diddy trajo a Thompson al redil para ayudar a darle a la futura megaestrella algo de ventaja, por lo que cambió "Tidal Wave" de Ronnie Laws, una muestra que reconoció en el éxito clásico de Black Moon "Who Got Da Props", para frotar algo de ese nuevo Jack sabor fuera de Usher.

Esa sesión de "Think of You" es también cuando Thompson conoció por primera vez a sus compositores,fe evans y Donell Jones: lo que lo llevó a ser productor ejecutivo del LP debut de Faith al año siguiente. Con coreografía deTLCmiembrotbozy una aparición de la cantante y actriz Taral Hicks en el video musical, "Think of You" se estancó en el puesto 58 en el Billboard Hot 100, pero sigue siendo uno de los favoritos de los fanáticos de Usher.

No había un grupo femenino más exitoso (o drogadicto) que el trío de Atlanta TLC en 1994. Su segundo álbum, CrazySexyCool, fue un éxito que encabezó las listas de éxitos y generó éxitos como "Creep", "Waterfalls" y "Red Light Special". pero Thompson conocía el poder de hacer música corta pero también dulce.

Tocando la guitarra, las teclas y la batería, Thompson dividió el divertido ritmo funk en dos fragmentos: uno con el vampirismo de T-Boz y el otro conBusta Rimasrompiendo el título del álbum y lamentándose de las cualidades esenciales de los pollitos voladores mientrasOjo izquierdoimprovisa bajo su voz desaliñada.

Algunas escalas pulsan antes de que se coloque en su ritmo, gracias a la conducción de la batería y el riff de bajo enJames Brown La bien muestreada "The Payback". El trío femenino emergente de Bad Boy Entertainment, Total, se unió a los 16 compases suaves y calientes de The Notorious BIG para hacer su primer sencillo incluido por primera vez en la banda sonora de New Jersey Drive de 1995 antes de aterrizar en el proyecto debut homónimo del trío.

Thompson se unió a sus compañeros productores de Hitmen Diddy, Herb Middleton y Rashad "Tumblin' Dice" Smith para darle a Total un hombro sónico para llorar por un amante al que parece que no pueden sacudir; posiblemente convirtiéndose en uno de los sencillos característicos de Bad Boy.

Nueva edición reunidos en su totalidad (los seis miembros) para Home Again de 1996. Thompson, junto con las cohortes de Hitmen, Stevie J. y Diddy, rebuscaron en las cajas, encontraron "Your Love" de James Brown y le dieron a la banda de chicos de R&B un poco de calor callejero: tanto que Michael Bivins y Ronnie DeVoe convierten su encanto en escupir. unos cuantos bares. La versión del álbum satisface totalmente la paleta hasta que el remix de Trackmasters de la canción sube la apuesta, con una pre-superestrellaMissy "Delito menor" Elliot.

Thompson realmente no estaba de humor para hacer esta canción porque se dirigía a tomar un vuelo de regreso a DC. Una persona leal que siempre puso la música en primer lugar, Diddy lo convenció por una súplica de Faith para desempolvar una melodía de piano que escribió cuando solo tenía 16 años. Lo colocó hábilmente bajo la voz entrecortada y seductora de la cantante y compositora ganadora del GRAMMY que había grabado en su contestador automático. Respaldada por algunas trampas, la súplica de Faith a un ser querido aislado se convirtió en el segundo sencillo de su proyecto debut homónimo de platino de 1995 y una de sus baladas más reconocibles.

nas es ampliamente considerado como uno de los mejores maestros de ceremonias del hip-hop, pero en 2001, Thompson sabía que Escobar necesitaba un himno para un bis en sus actuaciones. la altura de laJAY Z/ Nas se estaba gestando entre "Takeover" y "Ether", pero el productor sabía que tomarPhil Collins' "In the Air Tonight" para darle a Nas el espacio para mostrar cuán icónico es.DMXestaba programado para aparecer como una función, pero Nas quería ese momento solo para él.

Thompson amaba y respetaba a las mujeres negras de talla grande, así que paraRaheem DeVaughn 's 2008 LP Love Behind the Melody, convenció a su compañero nativo de DC para hacer una canción que celebra estrictamente a las hermanas con curvas. Inspirado en los teclados que escuchó en el dúo de JAY-Z y Chrisette Michele producido porDr. Dre, "Lost Ones", Thompson ayudó a DeVaughn a caminar hacia una nominación al GRAMMY a la Mejor Interpretación Vocal Masculina de R&B por "Woman".

En 2020,Snoop-Dog quería mostrar amor a la escena go-go. El rapero/animador se asoció con leyendas de la música go-go.Esencia rara , la banda favorita de Thompson, para hacer un conjunto que pudiera animar a aquellos que se refugian en el lugar. Los ritmos combinaron los sintetizadores de la costa oeste sobre la percusión característica del metro de DC para celebrar los ritmos insulares popularizados por bandas como EU, Trouble Funk, Junkyard Band y Chuck Brown and the Soul Searchers.

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