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Jul 21, 2023

los grammy

Fotos (LR, en el sentido de las agujas del reloj): Archivo GAB/Redferns, Ron Galella/Ron Galella

Fotos (LR, en el sentido de las agujas del reloj): GAB Archive/Redferns, Ron Galella/Ron Galella Collection vía Getty Images, Kevin Winter/Getty Images, Chung Sung-Jun/Getty Images

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Desde las Supremes hasta las Spice Girls, sumérgete en la historia de los grupos de chicas y cómo sus canciones, actuaciones y poder vocal cambiaron la cultura pop.

Durante más de ocho décadas, los grupos de chicas han armonizado su camino hacia la conciencia colectiva, poniendo el empoderamiento femenino en primer plano y cambiando la cultura en el camino.

Por supuesto, los grupos de chicas han llegado en muchas formas: están las Andrew Sisters, ideales para familias, Labelle con infusión de funk rock y Destiny's Child, que se inclina por el R&B. A medida que ha evolucionado la construcción del grupo de chicas, también lo ha hecho su impacto cultural, mientras que actos como las Supremes ayudaron a impulsar la música popular en una dirección más diversa en Estados Unidos, los grupos de J-Pop y K-Pop han ayudado a que los grupos de chicas sean vistos a través de un mundo global. lente en los últimos años.

Lo que ha unido a todos estos grupos son sus registros contagiosos e inspiradores, que han alentado a las mujeres a expresarse y sentirse empoderadas al hacerlo. Grupos como Spice Girls y Shangri-Las, por ejemplo, han ayudado a las mujeres a expresar todos sus aspectos, recordándole al mundo que hay alegría y belleza en contraste.

A medida que el Mes de la Historia de la Mujer se acerca a su fin, GRAMMY.com celebra a todas las mujeres poderosas que han sido parte de la evolución de los grupos de chicas. (Para reducir el campo, caracterizamos a un grupo de chicas como actos con un mínimo de tres miembros y un enfoque en la interpretación vocal; por eso no verás bandas como Go-Gos o Chicks en esta lista).

A continuación, echa un vistazo a cómo los grupos de chicas han cambiado tanto en estructura como en impacto durante casi 90 años, y contando, y escucha la lista de reproducción oficial de GRAMMY.com de grupos de chicas en Amazon Music, Spotify, Apple Music y Pandora.

Aunque las mujeres sin duda han cantado juntas desde el principio de los tiempos, el concepto formal de grupo de chicas surgió en algún momento de los años 20 o 30, con el aumento de la popularidad de actos familiares estrechamente armonizados como las Hermanas Boswell y las Hermanas Hamilton (las el último de los cuales se convertiría en Three X Sisters). Los grupos realmente comenzaron a ver un aumento en popularidad a principios de la Segunda Guerra Mundial, tal vez porque la entrada de más mujeres en la fuerza laboral abrió la mente de las personas a la idea del grupo de chicas pop, o tal vez porque los soldados en el extranjero buscaban consuelo y una leve emoción. a través de los sonidos suaves y las apariencias atractivas de los grupos.

Las Andrews Sisters, que se formaron oficialmente en 1937 como un acto tributo a las Boswell Sisters, se convertirían en las más populares de las hermanas, montando temas como "Boogie Woogie Bugle Boy", "Don't Sit Under The Apple Tree (With Everyone Else But Me)" y "Beer Barrel Polka (Roll Out The Barrel)" directamente a la cima de las listas. Se les considera uno de los grupos de chicas más exitosos de todos los tiempos, vendiendo aproximadamente 80 millones de discos y contando. Otros grupos de chicas siguieron el acto de Andrews, incluidas las Dinning Sisters, que lanzaron " They Just Chopped Down The Old Apple Tree " como respuesta al éxito de sus rivales.

Las Andrews Sisters continuaron siendo populares hasta bien entrada la década de los 50, inspirando a grupos similares de armonías cercanas como las Chordettes, que tuvieron éxito con temas como "Mr. Sandman" y "Lollipop", y las Lennon Sisters, que se convirtieron en un pilar de "The Espectáculo de Lawrence Welk".

Alrededor de la mitad de la década, los grupos de chicas comenzaron a sacar un poco más del movimiento doo-wop, con canciones como "Mr Lee" de Bobbettes que ayudaron a allanar el camino para que llegara una ola de grupos de chicas exclusivamente negras. Los Chantels, que se habían juntado para cantar en un coro, siguieron rápidamente con "Maybe", que solidificó el estilo del género con una mezcla de rock, pop y doo-wop que actuaría como una plantilla sónica en los años venideros.

En 1961, las Shirelles encontraron un rápido éxito con temas como "Tonight's The Night" y "Will You Still Love Me Tomorrow", que se convirtió en el primer corte de un grupo de chicas en llegar al número 1 en la lista Hot 100 de Billboard. El grupo tendría cinco sencillos más exitosos a lo largo de la década e inspiró a actos como Marvelettes, cuyo "Please Mr. Postman" se convertiría en el primer sencillo número 1 de Motown Records.

Ansiosa por aprovechar ese éxito, Motown invirtió mucho en la creación de más grupos de chicas, creando tríos y cuartetos a partir de varias cantantes a las que podrían haber mirado anteriormente para trabajar en solitario o incluso dejar de firmar. Ese tipo de moldeado con mentalidad empresarial es lo que produjo Martha and the Vandellas, the Velvetettes y un pequeño acto llamado Supremes, que se convertiría en el grupo vocal estadounidense más exitoso de todos los tiempos, según CNN. El éxito de los actos de Motown, la mayoría de los cuales eran negros, también fue una señal de la creciente aceptación de la cultura estadounidense de la integración de la música popular.

Habiendo visto el éxito que tuvo Motown en la creación consciente de sus grupos de chicas, otros productores y sellos independientes pequeños buscaron capturar algo de ese rayo en una botella para ellos. El sello Philles aprovechó el sonido de los Crystals y los Ronettes, mientras que Jerry Lieber y Mike Stoller firmaron el Shangri-Las y los Dixie Cups para su sello Red Bird. Canciones como "Give Him A Great Big Kiss" de Shangri-Las ofrecieron una perspectiva sorprendentemente real sobre los enamoramientos de las chicas adolescentes, mientras que "Leader Of The Pack" ayudó a traer la perspectiva femenina a un subgénero de canciones sobre macabras tragedias adolescentes previamente dominadas por todos. actos masculinos como Jan And Dean y Wayne Cochran And The CC Riders.

Formado por primera vez en los años 60 como Patti LaBelle and the Bluebelles, Labelle sacó el género de los calcetines y lo llevó al club nocturno, convirtiéndose en uno de los principales grupos de chicas de los años 70. Sus sencillos funky con infusión de rock no se parecían a nada que los aficionados a los grupos de chicas hubieran escuchado antes, y en 1974, el grupo capturó el corazón de Estados Unidos con "Lady Marmalade", una canción ligeramente sugerente que irrumpió en las discotecas y en la conciencia colectiva. Otros actos formados originalmente en los años 60 tuvieron un éxito similar, como Three Degrees, que tuvo una serie de éxitos, incluido el soleado y relajante "When Will I See You Again".

Sister Sledge también aprovechó el auge disco, creando éxitos duraderos como "We Are Family" y "He's The Greatest Dancer". Las Pointer Sisters atravesaron un arcoíris de géneros, incluido el R&B (el funky "Yes We Can Can" de 1973) y el country ("Fairytale" de 1974, que ganó un GRAMMY a la mejor interpretación country de un dúo o grupo con voz en 1975), antes encontrando su mayor éxito a principios de la próxima década con pistas como la sensual "Slow Hand" y la más frenética "I'm So Excited".

Los grupos de chicas pasaron por un momento de calma en los años 80, cuando la cultura se inclinó hacia el hair metal y el hip-hop. Algunos actos aún lograron abrirse paso, capturando los corazones de los oyentes con cortes aptos para bailar imbuidos de un estilo latino de estilo libre. Lleno de sintetizadores y percusión sincopada, el estilo libre irrumpió en clubes y fiestas en Nueva York y Filadelfia, encontrando un arraigo particular entre el público hispano e italoamericano.

Exposé de Miami fue uno de los actos de estilo libre más grandes de la década, combinando armonías de grupos de chicas con sonidos sintéticos para éxitos como "Point Of No Return" y "Seasons Change". Dos grupos de Nueva York, Sweet Sensation y The Cover Girls, tuvieron un éxito de estilo libre que unió los años 80 y 90. "Never Let You Go" de Sweet Sensation arrasó en las listas de éxitos dance, y aunque "Show Me" y "Because Of You" de Cover Girls no fueron tan populares, todavía ocupan un lugar especial en los corazones de los fanáticos del estilo libre.

Los grupos de chicas rugieron de nuevo en los años 90, gracias en parte a la emergencia del new jack swing y un renovado interés en los estilos vocales suaves del R&B. En Vogue fue uno de los primeros grupos en triunfar en los años 90, con el sencillo debut "Hold On" que llegó por primera vez a las listas de Billboard en 1990. Sus canciones más importantes llegaron más tarde en la década, con los poderosos "Free Your Mind" y " Dándole algo que pueda sentir", mostrando el rango vocal y el carácter del cuarteto.

Dos grupos de Atlanta también se destacaron al mismo tiempo que En Vogue. Primero fue el cuarteto callejero Xscape, que aprovechó los sonidos de 1993 con temas como "Just Kickin' It".

TLC tuvo un arco más dinámico, irrumpiendo primero en la conciencia colectiva con el nuevo "Ooooooohh... On The TLC Tip", infundido con jack swing, que presentaba tres sencillos entre los 10 primeros, incluido "Ain't 2 Proud 2 Beg". Los pantalones holgados y la estética hip-hop del grupo traspasaron los límites de los grupos de chicas, en parte porque sus miembros reconocieron sus deseos sexuales, así como la necesidad de que todos tuvieran sexo seguro. Más adelante en la década, TLC se elevaría a alturas aún mayores con pistas como "Waterfalls" y "No Scrubs", ganadora del GRAMMY, la última de las cuales fue coescrita por dos miembros de Xscape.

Destiny's Child surgió inicialmente de Houston a finales de los 90 como un cuarteto, aunque luego perderían algunos miembros y ganarían otros nuevos, terminando como un trío. Si bien era difícil ignorar el poder estelar de Beyonce, el trío generalmente funcionó como un grupo, produciendo una serie de gusanos auditivos bailables, que incluyen "No, No, No" y "Bills, Bills, Bills". Cuando se disolvieron en 2006, Destiny's Child vendió decenas de millones de discos y obtuvo tres premios GRAMMY (y un total de nueve nominaciones).

En el oeste, Chyna Phillips, Wendy Wilson y Carnie Wilson de Wilson Phillips estaban canalizando los sonidos de sus respectivos padres, que habían sido miembros de los Beach Boys y los Mamas & The Papas. Sus canciones presentaban armonías vocales y trataban en gran medida sobre el anhelo emocional, rechazando el baile y el funk que dominaron gran parte del dial de radio durante los años 90.

Los grupos de chicas también estaban ganando terreno en el Reino Unido durante los años 90, impulsados ​​por el auge de las bandas de chicos en el país por la misma época. Dos grupos, All Saints y Spice Girls, en realidad fueron formados por gerentes, algo que no ayudó a disipar la preocupación de los detractores de que gran parte de la música pop en ese momento era totalmente fabricada. (Otro pilar del Reino Unido, B*Witched de Irlanda, se unió orgánicamente).

De todos modos, tanto All Saints como las Spice Girls tuvieron éxito comercial, y estas últimas se volvieron absolutamente masivas no solo por pegadizas canciones pop como "Wannabe", sino por las personalidades singulares del quinteto y la fuerza de su mensaje de "poder femenino". Las Spice Girls incluso protagonizaron su propia película, "Spice World", que se estrenó en el apogeo de la Spice-manía en 1997 y generó comparaciones instantáneas con "A Hard Day's Night" de los Beatles.

Los grupos de chicas continuaron reinando a principios de la década de 2000. Varios grupos de chicas de la década de 2000 se formaron en la televisión como parte de la programación de la realidad, con la sensación británica Girls Aloud formándose en el programa de ITV "Popstars: The Rivals" y Danity Kane formando y desarrollando durante tres temporadas de "Making The Band" de Sean Puffy Combs. ." La televisión actuó como una gran plataforma de lanzamiento para estos actos pop, ya que los fanáticos a menudo se involucraron emocionalmente en el éxito del grupo al ver el programa, por lo que cuando salió un nuevo sencillo, se sumaron rápidamente.

Girls Aloud y Danity Kane, así como sus pares, como Dream, 3LW y Blacque, hicieron música pop que era sexy, segura y más grande que la vida, con videos musicales de apariencia costosa para combinar. Las canciones también cruzaron a menudo del pop a la radio urbana.

Otro de los grupos de chicas más exitosos (y más sexys) de la década de 2000 también se formó de una manera bastante indirecta. Las Pussycat Dolls tuvieron éxito con temas como "Don't Cha" y "Buttons", pero el origen real del nombre y la marca de las Pussycat Dolls se produjo casi 15 años antes, cuando un coreógrafo de Los Ángeles llamado Robin Antin lanzó una compañía burlesca. Después de que los eventos de su club y los bailarines se hicieron cada vez más populares (incluso posaron para Playboy), Jimmy Iovine de Interscope Records la instó a que adjuntara el nombre a un grupo de pop.

Antin reclutó a cinco cantantes que podían mantener una melodía y se veían bien, incluida Nicole Scherzinger, que inicialmente comenzó en Eden's Crush, otro grupo formado en un programa de televisión, la versión estadounidense de "Popstars", y las Pussycat Dolls rápidamente se pavonearon en diales de radio y listas de éxitos de Billboard con sus éxitos pegadizos de múltiples pistas (y a menudo subidos de tono).

Los grupos de chicas también se estaban volviendo populares en todo el mundo en los años 2000, con Las Ketchup de España produciendo la increíblemente pegadiza cancioncilla pop convenientemente llamada "The Ketchup Song", Play de Suecia alcanzó el éxito comercial en el mercado estadounidense y Atomic Kitten del Reino Unido se formó puramente como un vehículo de composición para Andy McCluskey y Stuart Kershaw de Orchestral Maneuvers In the Dark. Los miembros de este último iban y venían a lo largo de su carrera, pero canciones como "Whole Again" (que también fue grabada por Play) han resistido la prueba del tiempo.

Aunque la cultura K-pop moderna había comenzado en Corea del Sur a finales de los 90, realmente comenzó a ganar fuerza en los 2000, con bandas de chicos y grupos de chicas beneficiándose de la creciente ola Hallyu o coreana. Una de ellas, Wonder Girls, tuvo un rápido éxito a finales de la década del 2000 con temas que abarcaban géneros como "Tell Me" y "Nobody", gracias en parte a la capacidad de la artista pop de interpretar versiones en inglés de sus canciones mientras estaba de gira con The Hermanos Jonas.

Dos de los grupos de chicas más grandes de la década de 2010 también provinieron de programas de competencia de telerrealidad televisados. Little Mix, un cuarteto, se formó en "The X Factor" del Reino Unido y vino a redefinir la era de los grupos de chicas en Gran Bretaña, vendiendo más de 60 millones de discos y encabezando las listas con sencillos de alto octanaje como "Cannonball" y "Shout Out To". Mi ex."

En Estados Unidos, Fifth Harmony nació en "The X Factor", donde los cinco miembros habían competido individualmente la temporada anterior pero no lograron avanzar. Pero después de que los productores los trajeron de vuelta para competir como grupo, nació Fifth Harmony, y los espectadores eligieron el nombre y finalmente los ayudaron a obtener el tercer lugar en la competencia.

El quinteto surgió del programa que firmó con el sello discográfico del juez Simon Cowell, Syco, y como tantos grandes grupos femeninos anteriores, se embarcó en una gira por centros comerciales y programas de entrevistas antes de finalmente lanzar un disco pop teñido de hip-hop y R&B. Los fanáticos se aferraron a canciones como "I'm In Love With A Monster" y "Work From Home", el éxito monstruoso que ha obtenido miles de millones de visitas en YouTube desde su lanzamiento.

La ola de K-pop también continuó en la década de 2010, con grupos como Girls Generation y Twice, quienes rompieron el molde de un grupo de chicas tradicional al tener ocho y nueve integrantes, respectivamente. Al mismo tiempo, un acto de J-Pop, AKB48, ganó popularidad, con una estructura que los grupos de chicas no habían visto antes: tiene 80 miembros en total, y el grupo se divide en diferentes "equipos" en los que los miembros son elegidos. por fanáticos rabiosos. Los tres actos fueron literal y figurativamente masivos, vendiendo decenas de millones de LP de pop bubblegum altamente producidos y sencillos de baile más grandes que la vida.

El éxito de los grupos de chicas de K-pop se disparó a un nuevo nivel cuando BLACKPINK entró en escena en 2016, formándose después de que sus miembros se unieran a una academia de grupos de chicas y se sometieran a lo que equivale a un campo de entrenamiento de grupos de chicas. El resultado es una máquina musical afinada que produce éxito pop tras éxito pop, incluidos "Boombayah" y "DDU DU DDU DU", así como videos musicales que se han visto miles de millones de veces en línea.

Estimulada por la devoción de sus fanáticos (conocidos como BLINK), BLACKPINK también ha logrado acumular una impresionante lista de elogios. Fueron el primer acto asiático en encabezar Coachella, las primeras artistas femeninas de K-Pop en la portada de Billboard, y han acumulado la mayor cantidad de suscriptores de cualquier acto musical en YouTube. Pero no son el único grupo femenino de K-Pop que ayuda a los grupos de chicas a mantenerse con vida: grupos como Mamamoo y Red Velvet lanzaron éxito tras éxito en la década de 2010, y 2NE1 capturó corazones en todas partes con canciones como "Lonely" y "I Am The Best". " En 2012, 2NE1 emprendió lo que muchos consideran la primera gira mundial de un grupo femenino de K-pop, visitando 11 ciudades en siete países.

Flo, un grupo de chicas británicas cuyos miembros extraen de sus culturas individuales para crear un sonido único influenciado por el hip-hop, también fue influenciado por artistas como Ciara y Amy Winehouse. Aunque solo han estado juntos durante unos pocos años, su sonido retro único se hizo popular casi instantáneamente en el Reino Unido, con el sencillo debut "Cardboard Box" acumulando casi un millón de visitas en YouTube a los pocos días de su lanzamiento a principios de 2022. Otro éxito Le siguieron sencillos como "Immature" y "Summertime".

Otro grupo de chicas completamente moderno, Boys World, se formó después de que los gerentes encontraron videos de cinco mujeres diferentes cantando en línea y luego las contactaron para ver si querían formar un equipo. Dijeron que sí, abrieron una cuenta de TikTok y se mudaron juntos a una casa en Los Ángeles. Su enfoque completamente en línea para convertirse en un grupo de chicas ha cautivado al público, junto con sus himnos empoderadores.

La ola de K-Pop también ha seguido aumentando, con BLACKPINK encabezando Coachella en 2023 y NewJeans en rápido ascenso ganando la distinción de ser el primer acto coreano femenino en tocar en Lollapalooza a finales de este verano. Al igual que muchos grupos de chicas antes que ellos, ambos actos continúan rompiendo fronteras e impactando la cultura en general, demostrando que el género es tan vital como siempre.

Si bien es posible que no sean tan abundantes como en décadas pasadas, el movimiento de grupos de chicas ciertamente no se ha cerrado. Y con una amplia variedad de mujeres que aún cautivan a las audiencias de todo el mundo, es probable que los grupos de chicas continúen animando tu vida en los años venideros.

Escuche la lista de reproducción del Mes de la Historia de la Mujer 2023 de GRAMMY.com: Swim In The Divine Feminine con estas 40 canciones de Rihanna, SZA, Miley Cyrus, BLACKPINK y más

Foto: Ron Galella/Colección Ron Galella a través de Getty Images

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El último documental de A&E/Lifetime, 'TLC Forever', presenta imágenes nunca antes vistas e historias no contadas del icónico legado del grupo, desde sus tribulaciones hasta sus triunfos.

Cuando Tionne "T-Boz" Watkins, Lisa "Left-Eye" Lopes y Rozanda "Chilli" Thomas unieron fuerzas como TLC, el panorama de los grupos de chicas cambió para siempre.

Durante su emocionante carrera, TLC batió récords, estableció nuevas tendencias de estilo y arrojó luz sobre temas importantes como el VIH/SIDA y la imagen corporal. Su sonido único y su voluntad de asumir riesgos ayudaron a consolidar su estatus como uno de los grupos femeninos más vendidos de todos los tiempos. Y ahora, su legado está inmortalizado en una película.

TLC Forever, un nuevo documental que se estrenará en A&E/Lifetime el 3 de junio, se sumerge en los altibajos drásticos de la carrera de 30 años del trío. En medio de sus muchos logros increíbles, también hubo mucha lucha, incluida la bancarrota, peleas en los titulares y tragedia. Como Watkins declaró en broma en los GRAMMY de 1996, "TLC dejará este negocio siendo recordado por muchas cosas".

La película de casi 120 minutos sigue al icónico trío musical desde su primer encuentro hasta la prematura muerte de Lopes en 2002, y sigue a Watkins y Thomas mientras se preparan para actuar en el Festival de Glastonbury de 2022. Será particularmente especial para los fanáticos, ya que el documental ve a Watkins y Thomas ver las extrañas imágenes con el gerente de toda la vida, Bill Diggins, en tiempo real.

Ya sea que esté familiarizado con la historia de TLC o esté ansioso por aprender más, vale la pena ver TLC Forever. A continuación, eche un vistazo a cinco conclusiones clave del documental.

En la primavera de 1994, apenas cinco meses antes de que saliera el éxito de ventas CrazySexyCool de TLC, Lopes buscó vengarse de su entonces novio, el ex receptor abierto de los Atlanta Falcons, Andre Rison. Después de que supuestamente lo descubrió haciendo trampa, Lopes prendió fuego a un par de sus zapatillas en una bañera en su mansión de dos pisos, que posteriormente se extendió al resto de la casa.

Acusada de incendio premeditado, puesta en libertad condicional por cinco años y sentenciada a una multa de $10,000, la rapera de entonces 23 años nunca pudo deshacerse de su reputación de "loca" provocada por el incidente. Sin embargo, TLC Forever descubre detalles que le dan más contexto a sus acciones.

En el documento, Thomas describe la relación de Lopes y Rison como "tóxica", antes de agregar que "siempre estaba pasando algo". Meses después de que comenzaron a salir, Lopes y Rison tuvieron una acalorada discusión en el estacionamiento de una tienda de comestibles, donde supuestamente Rison la agredió y disparó un tiro de advertencia para evitar que los transeúntes se involucraran.

"Me sentí tan mal por ella, porque cuando entré en la habitación, solo recuerdo la expresión de su rostro", dice Watkins en la película, refiriéndose al incendio de la casa. "Le arrancaron las uñas, estaba arañada, magullada y sangrando, y todo el mundo la miraba como '¿Qué hiciste?' Y no todos respondieron como deberían haberlo hecho".

Como muchos fanáticos saben, Lopes había protestado por el sencillo principal de CrazySexyCool, "Creep", debido a que la letra promovía la infidelidad (especialmente en medio de la actual epidemia de SIDA, que cobró casi 42,000 vidas solo en los EE. UU. ese mismo año). Además, el líder de la lista iba en contra de lo que TLC había sido conocido: usar condones en ropa holgada como una forma de abogar por el sexo seguro.

Aunque la canción en realidad se inspiró en los problemas de la relación de Watkins, Lopes temía que Rison pensara que ella lo estaba engañando, lo que posiblemente desencadenaría más supuestos abusos dentro de su tumultuosa relación. Entonces, para el remix, escribió un verso advirtiendo a los oyentes de las consecuencias de la fluencia: "Creepin 'puede causar un comportamiento histérico en la mente / Poner tu vida en un aprieto y en el tiempo / Hacerte víctima de un crimen pasional", rapea. .

Al principio del romance de larga data de Thomas con el productor de LaFace, Dallas Austin, quedó embarazada antes del álbum debut del trío, Ooooooohhh... On the TLC Tip, que puso en peligro su futuro con el grupo. Sin recibir mucho apoyo de Austin y temiendo que el entonces gerente Perri "Pebbles" Reid se enterara, Thomas abortó a regañadientes a la edad de 20 años, calificándolo de "experiencia horrible" en el documental.

"Después de eso, probablemente experimenté algún tipo de crisis nerviosa. No podía perdonarme a mí misma", dice. "Sentí una tremenda culpa por lo que había hecho, y esa culpa por no haber sido tratada adecuadamente es lo que me hizo aferrarme más a Dallas".

En 1997, Thomas y Austin tuvieron un hijo llamado Tron, que en muchos sentidos actuó como cierre para el cantante. "Una vez que tuve a Tron, realmente puso en perspectiva la relación que tenía con Dallas. Estaba claro que no era una relación funcional, saludable y amorosa", admite. Se separaron un par de años después, todavía trabajando juntos creativamente y criando a su hijo, que ahora tiene 26 años.

Leer más:La evolución del grupo de chicas: cómo TLC, BLACKPINK, The Shirelles y más han elevado la expresión femenina

A pesar de que CrazySexyCool vendió 15 millones de copias en todo el mundo, generó dos éxitos No. 1 en el Billboard Hot 100 y ganó dos GRAMMY, TLC se declaró en bancarrota del Capítulo 11 en 1995 antes de una pausa de cinco años que se prolongó por la tensión dentro del grupo. En los meses previos al tercer esfuerzo de estudio de TLC, FanMail, cuyo título fue acuñado por Lopes y dedicado a los fans, Lopes expresó su descontento con el proyecto después de que Dallas Austin rechazara un puñado de sus canciones.

"No puedo respaldar al 100 por ciento este proyecto de TLC y la música que se supone que me representa", dijo Lopes en una entrevista de 1999 con Vibe, que alimentó los rumores de una ruptura. "Esta será mi última entrevista hasta que pueda hablar libremente sobre la verdad y presentarme en mi proyecto en solitario".

Casi al mismo tiempo, Lopes desafió a Watkins y Thomas a grabar álbumes en solitario y ofreció un premio de $ 1,5 millones para el miembro que vendiera la mayor cantidad de copias. Los raps de Lopes solo se pueden escuchar en tres de las 17 pistas de FanMail, y aunque gran parte de su ausencia ciertamente se debió a un conflicto interno, Watkins y Thomas confirmaron que Lopes estaba creativamente "simplemente no coincidía" con lo que Austin estaba produciendo. En el momento del fallecimiento de Lopes, ella estaba en un retiro espiritual de 30 días en Honduras, partes de las cuales fueron grabadas y lanzadas como el documental póstumo de 2007 The Last Days of Left Eye.

En 2006, Watkins luchó en privado contra un neuroma acústico, un tumor cerebral potencialmente fatal que se encontraba en sus nervios faciales, auditivos y de equilibrio. La entonces mujer de 36 años se sometió a una cirugía para extirpar el tumor, un riesgo exacerbado por sus continuas complicaciones de la anemia de células falciformes desde la infancia.

"[El doctor] dijo que en caso de que algo salga mal y no pueda salvar tu audición, tu rostro o tu equilibrio, dame la orden de que quieres salvarte", dijo en el documento. "Esta industria se trata de tu cara, tu voz, tu baile, ese es todo mi trabajo. Entonces, me quitaron el equilibrio, salvé mi cara en su mayor parte, [y] solo perdí el tres por ciento [de mi audición] en el tiempo."

Watkins agregó que se sintió deprimida y poco atractiva durante muchos años después de la cirugía, hasta que su madre cambió su perspectiva. “Recuerdo que un día me miré en el espejo y comencé a llorar, y mi mamá dijo: 'No'. Ella dijo: 'Mira, este es solo tu viaje de regreso a la normalidad. No es así como te vas a quedar, así no es como vas a ser. Este es solo tu viaje de regreso a cómo empezaste'", recordó. . "Dije: 'Sí, está bien, si lo veo de esa manera, entonces todo lo que tengo que hacer es sobrevivir a esto y superarlo y puedo ser genial. Y luego comienza la lucha que estoy viviendo, estoy Voy a sobrevivir a esto, voy a vencer esto".

Ahora, con 53 años, Watkins sigue siendo fuerte. Sin embargo, la película brinda a los espectadores una mirada más profunda sobre cuánta preparación se requiere para que ella pueda actuar sin comprometer su salud. Antes y después de subir al escenario, Watkins debe recibir suficientes líquidos y oxígeno para mantener la inflamación al mínimo.

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Watkins y Thomas discuten la inmensa presión que enfrentaron por parte de su sello para seguir adelante sin Lopes, quien falleció trágicamente a los 30 años en un accidente automovilístico durante su viaje a Honduras. "Después de que Lisa falleció, la compañía discográfica dijo que iban a sacar un [álbum] de grandes éxitos si no terminábamos [3D], así que nos sentimos obligados a volver al estudio", dijo Watkins en TLC Forever. "Nos dieron un ultimátum". Thomas agregó: "Tuvimos una visión de túnel, solo terminémoslo".

A pesar de obtener el platino, 3D fue visto como un fracaso comercial según los estándares de TLC, vendiendo menos de 700,000 copias y su sencillo principal, "Girl Talk", alcanzó el puesto 28 en el Hot 100. Luego de su primera presentación en vivo sin Lopes en Z100's anual concierto de Zootopia en 2003, la industria de la música aparentemente los descartó, pero Thomas dijo que nunca sintió que realmente había terminado. No fue sino hasta su concierto VH1 Super Bowl Blitz en 2014 que los promotores comenzaron a comunicarse, lo que finalmente los llevó a la mayor actuación de su extraordinaria carrera: subir al escenario en Glastonbury el año pasado.

"La mayor recompensa es cuando ya no tienes la canción número 1 y puedes vender tus giras", dice Thomas mientras termina la película. "Eso significa que tienes un gran cuerpo de trabajo que puede resistir el paso del tiempo, y el tiempo nos ha dicho que lo hicimos bien. Lo hicimos bien".

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Foto: Rob Verhorst/Redferns

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A lo largo de sus ocho premios GRAMMY y 25 nominaciones, la vasta producción musical de Tina Turner, que abarca generaciones, demostró ser igualmente entretenida e inspiradora. The Bold Soul Sister murió el 24 de mayo en su casa cerca de Zúrich, Suiza. Ella tenía 83 años.

La Reina del Rock 'n' Roll, leyenda de la grabación, icono del empoderamiento. No importa cómo se refiera a Tina Turner, su fallecimiento constituye una pérdida sísmica que marca el final de un brillante legado cultural que deja a su paso una carrera que moldea la industria. A lo largo de sus ocho premios GRAMMY y 25 nominaciones, la vasta producción musical de Turner, que abarca generaciones, demostró ser igualmente entretenida e inspiradora.

El ícono murió el 24 de mayo en su casa cerca de Zúrich, Suiza. Ella tenía 83 años.

"Tina Turner rompió barreras para las mujeres dentro y fuera del escenario a lo largo de su increíble carrera", dijo Harvey Mason jr, director ejecutivo de The Recording Academy, de Turner, quien recibió el premio GRAMMY's Lifetime Achievement Award en 2018 y es tres veces miembro del GRAMMY Hall. de fama. "Maravilló al público de todo el mundo con sus actuaciones electrizantes, incluso en nuestro escenario GRAMMY en 1985 y 2008, y fue una estrella de rock innegable que allanó el camino para muchos con su estilo característico y su poderosa voz. Todas las personas a las que ella la extrañarán mucho. tocado en todo el mundo".

Es un sentimiento compartido por la industria de la música y el mundo en general. “Ella era realmente una intérprete y cantante enormemente talentosa”, escribió Mick Jagger en las redes sociales. "Era inspiradora, cálida, divertida y generosa. Me ayudó mucho cuando era joven y nunca la olvidaré". En su sitio web, Beyoncé, que actuó con Turner en la 50.ª entrega de los premios GRAMMY, rindió homenaje a su "amada reina" y escribió: "Te amo infinitamente. Estoy muy agradecida por tu inspiración y por todas las formas en que allanaste el camino". Eres fuerza y ​​resistencia. Eres el epítome del poder y la pasión". Elton John lo expresó de manera simple: "Hemos perdido a uno de los artistas más emocionantes y eléctricos del mundo", escribió. "Ella era intocable".

El talento intocable de Turner encarnó dos fases. Primero, su tumultuosa colaboración con su esposo Ike Turner, durante la cual actuaron como dúo y produjeron éxitos como "Proud Mary". La canción reconocible al instante le valió a la pareja un premio GRAMMY a la mejor interpretación vocal de R&B de un grupo en 1972 y fue incluido en el Salón de la Fama del GRAMMY en 2003. En su triunfal segundo acto, Turner se separó de la sociedad. Se reinventó a sí misma como solista, pasando de manera improbable de ser una rockera de las décadas de 1960 y 1970 a convertirse en una estrella del pop en la década de 1980.

Por sus esfuerzos, la cantante arrasó en las principales categorías de los Premios GRAMMY de 1985, ganando Grabación del año, Canción del año y Mejor interpretación vocal pop femenina por "What's Love Got To Do With It". También se llevó a casa el gramófono dorado a la Mejor Interpretación Vocal Femenina de Rock por "Better Be Good To Me".

Uno de sus éxitos más indelebles, Turner utilizó "What's Love Got To Do With It" como un llamado a la acción, volviéndose brutalmente honesta sobre su relación abusiva con su exmarido en el camino. Más tarde, Turner recordó a Rolling Stone que cuando dejó Ike en julio de 1976, "no tenía nada. Ni siquiera sabía cómo conseguir dinero. Tenía a una chica trabajando para mí que había trabajado para Ike, porque conocía las formas de conseguir dinero". dinero. No sabía cómo hacer nada de eso". Más tarde ideó lo que se considera uno de los mejores regresos en la historia de la música.

Ofrecido por primera vez a Donna Summer, quien se sentó en la pista antes de finalmente fallecer, el compositor Terry Britten reveló más tarde que pensó que "What's Love Got to Do With It" era "horrible". A Turner tampoco le gustó la canción, pero la grabó siguiendo el estímulo de su manager, Roger Davis.

"Dije: 'Si no funciona, no lo usaremos. Así que intentémoslo'", recordó Britten en su documental de 2021, Tina. No fue hasta que Turner estableció su pista vocal que la canción se elevó de una confección pop a un escaparate para la potencia vocal. "No estaban acostumbrados a una voz fuerte sobre la música", dijo Turner en el documental. "Pero lo convertí y lo hice mío".

La hábil traducción musical de Turner es evidente a lo largo de su ecléctica discografía, desde el rock con influencias de blues que interpretó como Ike & Tina Turner, hasta himnos pop como "The Best" de 1989 (que se convirtió en una marca registrada y, naturalmente, en el título de un popular éxito). álbum). En 1962, fue nominada a su primer premio GRAMMY a la Mejor Grabación de Rock and Roll por "It's Gonna Work Out Fine", el éxito de Ike y ella del año anterior que se les ofreció después de que la compositora Rose Marie McCoy viera su enérgico espectáculo en el escenario en el Apolo.

Fue un éxito temprano auspicioso para Turner, quien se convertiría en un elemento básico de la categoría de Mejor Interpretación Vocal de Rock Femenina. Décadas más tarde, obtuvo victorias consecutivas en la categoría de "One of the Living" y "Back Where We Started" en 1986 y 1987, una nominación por "Better Be Good To Me" en el '88, y se llevó a casa el gramófono de oro en el 89 para Tina Live in Europe, entre muchos otros.

"Mis canciones son un poco de la vida de todos los que me están mirando", dijo Turner a Rolling Stone en medio de su buena racha en 1986. "Tienes que cantar con lo que se puedan identificar. El mundo no es perfecto. Y todo eso está en mi desempeño, juego con eso".

Nacida como Anna Mae Bullock, el viaje de Turner hacia la dinamo musical comenzó en las tierras de cultivo de Tennessee, donde descubrió muy pronto su pasión por la expresión artística. "Cuando era niña, cada vez que tenía la oportunidad, iba a nuestro cine local y memorizaba escenas para poder recrearlas", recordó en 2021 la Harvard Business Review. "Aunque tuve un poco de entrenamiento de canto en la escuela secundaria e incluso aprendí algo de ópera, mis habilidades de voz y baile en su mayoría me han resultado naturales".

Esa destreza vocal y energía inimitable como intérprete se mostró en toda su vida detrás del micrófono, uno de los ejemplos más memorables fue "River Deep-Mountain High". Incluida en el Salón de la Fama de los GRAMMY en 1999, su dúo con Ike fue producido por Phil Spector, quien, según Turner, lo hizo cortar su voz hasta la saciedad con resultados espectaculares. "Debo haber cantado eso 500.000 veces", le dijo a Rolling Stone después de que la publicación clasificara la canción en el puesto 33 de su lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos. "Estaba empapada en sudor. Tuve que quitarme la camisa y quedarme allí en sostén para cantar".

Tras su muerte, el New York Times la llamó "una cantante magnética con un poder explosivo". Ese poder fue visible dentro y fuera del escenario, tanto en su arte como en su habilidad para luchar frente a los numerosos obstáculos. En una entrevista de 2005 con Oprah Winfrey, Turner explicó: "Hay una expresión: 'Nunca saldrás vivo de este mundo'". Es verdad. No lo haremos. Adelante. Haz lo mejor que puedas con tu maquillaje, cabello y ropa".

En esa misma entrevista, Turner también reflexionó sobre su legado, mencionando la inspiración que repartió al ser ella misma. "Mi deseo es dar el tipo de verdad a las personas que les ayude a cambiar de opinión. Cuando eso suceda, seré lo mejor que pueda ser".

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Foto: M. Caulfield/WireImage para VH-1 Channel - Nueva York

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Ya sea "Tears of a Clown" o "Tears in the Club", escucha algunas de las canciones más furtivamente tristes de Outkast, TLC, Avicii y más.

En 2003, OutKast anotó su segundo hit No. 1 con "Hey Ya!" La pista atemporal tiene una energía optimista que te hace querer sacudirla como una foto polaroid, hasta que te das cuenta de su letra bastante infeliz.

"¿Estamos tan en negación cuando sabemos que no somos felices aquí?" André 3000 canta en el segundo verso. La línea que sigue puede resumir su naturaleza contrastante: "Ustedes no quieren escucharme, solo quieren bailar".

La capacidad de hacer que los oyentes sientan (y reaccionen físicamente) a una amplia gama de emociones es parte del genio de la composición de canciones. Melodías como "Hey Ya!" — una narración triste disfrazada por una melodía contagiosa — es un truco que ha sido dominado por Outkast, REM, Smokey Robinson, Robyn y muchos más.

Si alguna vez bailaste alegremente al ritmo de un ritmo antes de darte cuenta de que la letra en la parte superior es en realidad un gran fastidio, ciertamente no estás solo. BBC y Apple Music llaman a estas pistas Sad Bangers, un nombre apropiado para lo que se ha convertido en un género no oficial durante el último medio siglo.

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La música alegre de este clásico de Motown fue escrita por Stevie Wonder, un ganador de 25 GRAMMY que es hábil en la elaboración de lágrimas que harán que tu cuerpo baile alegremente. La canción con fondo de fagot se registra a 128 latidos por minuto, un tempo que aún es el favorito de los productores de música dance moderna. Entonces, cuando Smokey canta, "Las lágrimas de un payaso/Cuando no hay nadie alrededor", también se te perdonará que te llenes un poco mientras estás en el ritmo.

Gloria Gaynor reinventó el éxito pop de 1971 de los Jackson 5 "Never Can Say Goodbye" para la era disco. Los amplios arreglos de cuerdas y el ritmo del trote ayudaron a llenar las pistas de baile y a crear una canción conmovedora sobre aferrarse a un amor propio. Otras versiones de portada de Isaac Hayes and the Communards también capturan el ambiente contradictorio.

El dúo británico Tears For Fears se hizo conocido internacionalmente después de equipar su primer éxito bailable con un coro dramático y deprimente que es difícil de quitar incluso 40 años después de su lanzamiento: "Me parece un poco divertido, me parece un poco triste, los sueños en los que Estoy muriendo son los mejores que he probado". Más tarde, Roland Orzabal y Curt Smith lanzarían temas más inspiradores, como "Todos quieren gobernar el mundo" y "Sembrando las semillas del amor".

Kate Bush ha tenido tres giros en las listas de éxitos de todo el mundo con "Running Up That Hill", comenzando con su lanzamiento en 1985 y luego como una canción poco probable en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Verano en 2012.

"Y si tan solo pudiera, haría un trato con Dios/Y conseguiría que intercambiara nuestros lugares/Corría por ese camino/subía esa colina/Sin problemas", canta en el coro de la pista de carreras, deseando estar más libre de preocupaciones.

Más recientemente, una ubicación en el drama de Netflix Stranger Things en 2022 le valió al lloroso número de baile dirigido por una tecla menor una nueva generación de fanáticos. El artista inglés fue nombrado recientemente miembro del Salón de la Fama del Rock & Roll de 2023.

El cantante principal de Midnight Oil, Peter Garrett, canalizó la rabia que sintió por el cambio climático temprano y la falta de derechos territoriales aborígenes en el interior de Australia en "Beds Are Burning". La poderosa melodía de baile inundó las ondas de radio y las pistas de baile de todo el mundo a finales de los años 80, alcanzando el puesto 17 en la lista Billboard Hot 100.

"¿Cómo podemos bailar cuando la Tierra está girando?" él canta en el coro entusiasta. "¿Cómo dormimos mientras las camas se están quemando?"

Garrett claramente tenía una conexión personal con el mensaje de anhelo de la canción: más tarde dedicó su vida al activismo ambiental como líder de la Fundación Australiana para la Conservación y se convirtió en miembro electo de la Cámara de Representantes de Australia.

Un éxito de música house sobre una mujer sin hogar, "Gypsy Woman (She's Homeless)" ayudó a la cantante de Nueva Jersey Crystal Waters a lograr el éxito internacional a pesar de un tema algo sombrío. Una parodia posterior de la serie de comedia de bocetos "In Living Color" llamó la atención sobre el contraste de tener una instrumentación alegre y optimista con letras desalentadoras.

"Ella es como tú y como yo/Pero no tiene hogar, no tiene hogar", resuena el coro. "Mientras ella se para allí cantando por dinero/La da dee la dee da..."

Esta alegre colaboración es entre el grupo de rock REM y la cantante de B-52, Kate Pierson. El pop de guitarra tintineante te hace querer aplaudir y pisar fuerte, pero la letra te hace preguntarte si todo es realmente tan brillante y feliz.

Se rumorea que la canción trata sobre la masacre en la Plaza Tiananmen de China, porque la frase "Gente feliz y brillante" apareció en los carteles de propaganda. Sin embargo, Pierson no está tan seguro de eso.

"No puedo imaginar que REM estuviera pensando en ese momento, Oh, queremos que esta canción sea sobre la propaganda del gobierno chino", dijo en una entrevista de 2021 con Vulture. "Se suponía que iba a ser brillante y feliz. Fue algo positivo en general".

"Waterfalls" fue un éxito mundial para TLC en 1994, gracias a su coro cantado y su línea de bajo funky. El rebote insistente de la canción suaviza una firme advertencia lírica que aleja a la gente del borde: "No vayas tras las cascadas/Por favor, apégate a los ríos y lagos a los que estás acostumbrado/Sé que lo tendrás a tu alcance". manera o nada en absoluto / Pero creo que te estás moviendo demasiado rápido ".

"Queríamos hacer una canción con un mensaje fuerte: sobre sexo sin protección, ser promiscuo y pasar el rato con la gente equivocada", compartió Rozonda "Chilli" Thomas con The Guardian en 2018. "Los mensajes en 'Cascadas' llegaron a casa. Creo que es por eso que es nuestro mayor éxito hasta la fecha".

André 3000 canta sobre las relaciones sin amor con un ritmo de baile caprichoso y cambiante en este éxito que encabeza la lista Billboard Hot 100. La seriedad de la canción, que André 3000 explicó una vez que trata sobre "el estado de las relaciones en la década de 2000", se perdió entre muchos oyentes.*

Su letra infeliz fue enmascarada por el canto alegre de André, así como por la guitarra tintineante y el ritmo dirigido por el teclado de la canción, que duplica de manera contagiosa la velocidad al final de cada cuatro tiempos. Incluso los mismos Outkast no pudieron evitar reconocer la yuxtaposición de la canción en un tweet de 2021.

Un penúltimo ejemplo de un éxito triste es "Dancing On My Own" de la estrella pop sueca Robyn. La canción triste, un éxito entre los 10 primeros en varios países, te ordena sacudir tus cosas, mientras te imaginas viendo a tu ex mudarse en el club. La portada de 2016 de Calum Scott realmente saca a relucir la tristeza que puede oscurecerse con la versión uptempo de Robyn.

"Dije, estoy en la esquina, mirándote besarla, oh no / Y estoy justo aquí, ¿por qué no puedes verme?" Robyn canta en el coro. "Y lo estoy dando todo / Pero no soy la chica que te llevarás a casa".

divertido. (el trío de Jack Antonoff, Andrew Dost y Nate Ruess) es mejor conocido por la poderosa balada de pop-rock que capta el espíritu de la época "We Are Young", que trata sobre el implacable entusiasmo positivo de la juventud en la ciudad. La canción principal de su álbum de 2012 Some Nights (que contiene "We Are Young") es una canción mucho más bailable pero más triste.

"¿Para que estoy yo?" Ruess pregunta mientras tus pies se arrastran al ritmo. "La mayoría de las noches, ya no sé".

Avicii colaboró ​​​​con el cantante pop conmovedor Aloe Blacc para este éxito mundial que se considera uno de los himnos máximos de EDM. El ritmo de bofetadas enmascara la letra triste y autorreflexiva de la canción sobre estar perdido.

La muerte por suicidio del DJ/productor sueco en 2018 agrega un aire aún más pesado al coro apasionado de Blacc: "Así que despiértame cuando todo termine/Cuando sea más sabio y sea mayor/Todo este tiempo me estaba encontrando a mí mismo, y yo /No sabía que estaba perdido".

"Never Be Like You" no es el corte más rápido en la discografía de bajo pesado del DJ/productor australiano Flume, pero la pista tenue todavía tiene un golpe irresistible. La cantante canadiense Kai le ruega a su amante que no la deje ("¿Cómo hago para que quieras quedarte?"), pero su tono encantador aún logra mantener la canción llena de esperanza.

Quizás la selección más abierta de toda esta lista es "Tears In The Club", que encuentra a FKA twigs y The Weeknd saliendo a la pista de baile para sacudirse los vestigios de una mala relación. El cantante/bailarín ha sido sincero acerca de estar en una relación abusiva, y la canción es un bop discreto que se ve animado por cánticos desesperados como "Podría morir con el ritmo, amor".

Casi 30 años después de que el DJ/productor Todd Terry ayudara a presentar Everything But the Girl a la comunidad internacional de música dance con un remix de "Missing", el dúo se inclinó hacia su lado electrónico en "Nothing Left to Lose". Un sencillo de su primer álbum en 24 años, Fuse, "Nothing Left to Lose" presenta una línea de bajo electrónica sofocante que contrasta con el anhelo impotente de la canción.

"Necesito una piel más gruesa / Este dolor sigue entrando / Dime qué hacer / Porque siempre te he escuchado", canta Tracy Thorne de la pareja en el verso inicial. Más tarde, ella hace una demanda que resume adecuadamente los conflictos de un triste éxito por excelencia: "Bésame mientras el mundo se descompone".

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Foto: Frazer Harrison/Getty Images para Coachella

característica

El negocio de la música en vivo todavía está lidiando con las repercusiones de la pandemia. GRAMMY.com habló con una muestra representativa de profesionales sobre los cambios más profundos de la industria, cómo se están abordando y qué podría significar para el futuro.

La pandemia causó estragos a nivel mundial en muchos niveles. Más allá del costo humano, las interrupciones provocadas por la propagación de COVID-19 causaron daños profundos y duraderos en casi todos los sectores comerciales, incluido el entretenimiento en vivo. Prácticamente de la noche a la mañana, los trabajadores perdieron sus medios de subsistencia, las empresas cerraron sus puertas o redujeron drásticamente sus operaciones y las cadenas de suministro se vieron obstaculizadas.

A los pocos días del cierre, varios medios publicaron artículos aleccionadores que detallaban las giras, conciertos y festivales que se habían visto afectados por el brote; El artículo de Insider.com identificó al menos 170 aplazamientos o cancelaciones. En un instante, todos los artistas de todo el mundo fueron testigos de cómo se evaporaba el lado de la actuación en vivo de sus carreras. Los equipos fueron enviados a casa y todas las empresas que servían al sector (logística, equipos de audio, servicio de alimentos y más) encontraron un paisaje árido.

Durante la pandemia, el importante promotor Live Nation vio una caída drástica en la cantidad de conciertos y festivales bajo su estandarte: de más de 40 000 eventos en 2019 a poco más de 8000 en 2020. Pero para fines de 2022, Pollstar.com informó que el año Las 100 mejores giras vendieron aproximadamente 59 millones de boletos, más que las ventas de 2019.

Tres años después del comienzo de la pandemia, la vida está volviendo a la normalidad en muchos sentidos. Sin embargo, los costos asociados con la organización de un concierto han aumentado drásticamente, debido tanto a las presiones inflacionarias de la pandemia como al aumento de la demanda de los bienes y servicios necesarios para sostener las giras. Para aquellos que trabajan en el negocio de la música en vivo y sus alrededores, la "nueva normalidad" significa que algunas cosas funcionan como antes del COVID-19, mientras que otras han cambiado radicalmente, ya sea temporalmente o para siempre.

GRAMMY.com habló con una muestra representativa de profesionales de la industria sobre algunos de los cambios más profundos, cómo se están abordando y qué podría significar para el futuro.

Nuevos Paradigmas Turísticos

Con el regreso de la música en vivo se ha producido un correspondiente aumento reprimido de la demanda, señala Christy Castillo Butcher, vicepresidenta sénior de Programación y Reservas en el estadio SoFi de 70.000 asientos en Inglewood, California. "Para saciar esa demanda, tienes que tener un lugar más grande".

Solo en 2023, SoFi Stadium albergará varios megaespectáculos: Billy Joel & Stevie Nicks, Grupo Firme, Romeo Santos, una residencia de cinco noches de Taylor Swift, Metallica, Beyoncé, Ed Sheeran y P!nk están todos en el calendario del lugar, con más espectáculos en espera de anuncio. El Madison Square Garden vio múltiples actuaciones con entradas agotadas de Janet Jackson y albergará una residencia de Phish de siete noches.

Desde la pandemia, algunos artistas han adoptado diferentes enfoques para las giras. Las giras en tándem y las residencias son solo dos de los fenómenos que parecen estar aumentando en popularidad entre los artistas en gira y sus equipos de gestión.

Formar un equipo para una gira en tándem no es una idea nueva; Los paquetes turísticos han sido parte del panorama de los conciertos desde los días de Caravan of Stars de Dick Clark a mediados de la década de 1960. Y en una era en la que la escasez relacionada con la pandemia y los inconvenientes logísticos hacen que las giras sean aún más desafiantes, la práctica está encontrando un interés renovado.

Una de las giras en tándem de más alto perfil de 2023 es la gira ZZ Top/Lynyrd Skynyrd Sharp Dressed Simple Man. La gira, que visita más de 22 ciudades de los EE. UU., reúne a los tres veces nominados al GRAMMY ZZ Top con la popular banda de rock sureña.

"Quieres darles a los fanáticos el valor de ver dos bandas juntas", dice Ross Schilling, Tour Manager de Lynyrd Skynyrd. (Pollstar informó un precio promedio de boletos para las 100 principales giras norteamericanas en la primera mitad de 2022 en más de $108. Mientras tanto, los precios de boletos para megaestrellas como Beyoncé y Swift han alcanzado niveles astronómicos).

Schilling reconoce que también hay pros y contras para los artistas. "Estás compartiendo los gastos y los ingresos", señala, y agrega que la producción a menudo se reduce a la mitad. "Video, pirotecnia, humo, cualquier tipo de elemento que desee agregar" se puede compartir en un recorrido en tándem.

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Otra opción que está experimentando un renacimiento es la residencia de conciertos. "Las residencias no son nuevas, por supuesto", dice Phil Carson, un veterano de giras y gestión que pasó muchos años de gira con bandas de rock de alto perfil como Led Zeppelin, Bad Company, AC/DC y Yes. "Comenzaron con personas como Frank Sinatra y Sammy Davis Jr. cuando en realidad solo había un lugar a donde ir: Las Vegas".

Hoy en día hay muchas más opciones, pero las motivaciones suelen ser las mismas que antes. "Sammy, Dean Martin... todos esos muchachos querían pasar el rato juntos y no querían seguir el maldito camino", explica Carson. A medida que sus audiencias crecían, también se interesaron en la idea de ir a un lugar para ver a sus artistas favoritos.

Y Carson cree que el enfoque de varias noches bien puede ser parte de una tendencia para el futuro. "Estamos empezando a tener carreras de dos y tres noches en los casinos de todo Estados Unidos", dice. Adele, Bruno Mars, Maroon 5, Luke Bryan, Katy Perry, Carrie Underwood y Carlos Santana son solo algunos de los artistas que evitan el camino a favor de una serie de fechas en un solo lugar.

La tendencia también se está extendiendo a lugares más pequeños. El cantante y compositor James McMutry y su banda lanzaron una residencia en el Continental Club de Austin en noviembre de 2021; esa reserva continúa hasta el día de hoy. Y apenas en agosto pasado, Robert Glasper anunció una residencia de 48 espectáculos en el Blue Note Club en la ciudad de Nueva York; es su cuarta serie extendida de fechas en el famoso local de jazz.

Los festivales vuelven con fuerza

Tras el aumento de la demanda de entretenimiento en vivo después del cierre, los principales festivales de música regresaron con fuerza en 2022 y continúan haciéndolo en 2023. Coachella y Lollapalooza estuvieron entre los eventos de varios días y varios fines de semana que regresaron después de cancelaciones forzadas por COVID, mientras que a mediados Eventos de nivel como Outside Lands de San Francisco también vieron a más de 220,000 asistentes en 2022, una gran ayuda para una industria de la música en vivo que había estado en crisis solo un año antes.

Celebrando y presentando una alineación multigeneracional de artistas e intérpretes latinos, el Festival Bésame Mucho se estrenó en diciembre de 2022 en el Dodger Stadium con capacidad para 56,000 personas. Las entradas se agotaron en 70 minutos. La alineación para el evento de 2023 se anunció en febrero; una vez más, el evento se agotó casi de inmediato.

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Ashley Capps ha estado completamente inmersa en la escena del festival; ex director de AC Entertainment, durante muchos años supervisó el festival anual de música y artes Bonnaroo. En estos días ha reducido sus actividades, pero aún es el curador del aventurero Big Ears Festival que fundó en 2009 en Knoxville, Tennessee.

"Big Ears después de la pandemia ha experimentado un crecimiento extraordinario", dice, señalando una trayectoria de crecimiento anterior a COVID, con un aumento anual del 20 por ciento en la venta de boletos. Big Ears 2022, el primero después de una pausa de dos años, experimentó un crecimiento del 35 por ciento. "Eso nos llevó a declarar nuestra primera venta completa", dice, "cinco semanas antes de que ocurriera el festival".

En 2023, Big Ears notó otro aumento en la venta de boletos, superando el 50 por ciento con respecto al año anterior. El festival de múltiples lugares agregó lugares más grandes adicionales para adaptarse a la mayor demanda. Los asistentes al concierto "sin duda tienen hambre de volver a la experiencia de la música en vivo", dice Capps. "Y los artistas con los que estamos trabajando en Big Ears están ansiosos por volver a salir y estar frente a un público agradecido".

Esa demanda reprimida en ambos lados de la ecuación puede resultar en un campo abarrotado, con muchos eventos, incluso más allá de la música, que compiten por atención, personal y equipo.

El costo de hacer música

Los cuellos de botella logísticos globales que plagaron a todas las industrias continúan afectando la industria de la música en vivo. La inflación económica mundial, que alcanzó el 8,8 por ciento en 2022, casi duplicándose año tras año, resultado parcial de la pandemia, ha aumentado los costos y reducido las ganancias, sentando las bases para un "camino rocoso hacia la recuperación". Al encontrarse sin oportunidades de trabajo durante la pandemia, un número incalculable de técnicos turísticos calificados abandonaron el negocio.

"La gente salió de la industria en todos los ámbitos, desde músicos hasta agentes, gerentes, cantineros y personal de producción", dice Morgan Margolis, director ejecutivo y presidente de Knitting Factory Entertainment. "'Tengo que hacer otra cosa'. Vi mucho de eso". Algunos nunca regresaron, lo que provocó una escasez de personal una vez que se reanudaron las giras en vivo.

Todo eso también afectó a los locales de música en vivo. "Estábamos mezclando gerentes de gira, gerentes de producción, personal de taquilla", dice Margolis. Caracteriza a su compañía, activa en todo el país en operaciones de locales, festivales, gestión de artistas, giras y más, como una operación de "todas las manos a la obra". "De hecho, preparé algunas bebidas en Walla Walla en un concierto de Aaron Lewis", dice.

El aumento de los costos significa que es esencial ejecutar la operación más eficiente posible mientras se mantiene la calidad. Margolis recuerda el panorama cuando la música en vivo comenzó a regresar en 2022. "Furgonetas y autobuses: todo se estaba acabando, incluso los autos de alquiler", recuerda. "Y todo, generadores, equipos de iluminación, equipos de escenario, ahora era entre un 20 y un 30 por ciento más caro, porque todo el mundo estaba muy disperso".

Pero como muchos en el negocio, Margolis simplemente hizo lo mejor que pudo. "Personalmente, estaba emocionado de estar sobre el terreno de nuevo", dice. "Quería estar rodeado de gente".

Después de una oleada casi abrumadora de artistas musicales que volvieron a las presentaciones en vivo, dice que está viendo que se está afianzando una mentalidad "más metódica". Eso se compara con cómo caracteriza 2022: "Tíralo todo contra la pared: ¡vamos a todos lados!".

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Otra novedad: los cambios de reglas propuestos por los Servicios de Ciudadanía e Inmigración de los Estados Unidos (USCIS) aumentarían los costos para los músicos internacionales de obtener una visa estadounidense hasta en un 260 por ciento. "Cuanto más se hacen estas políticas, más difícil es para nosotros compartir nuestra música", dice Sampa the Great. El cantante, compositor y rapero de Zambia señala que los cambios propuestos afectarán especialmente a los artistas independientes: "Las giras son la única forma en que nuestra música se escucha en todo el mundo".

Tales aumentos de costos generales pueden significar que algunos artistas internacionales deben tener conversaciones difíciles. Si no es a través de las giras, Sampa the Great se pregunta: "¿De qué otra manera nos conectamos con las personas que apoyan nuestra música? ¿Y de qué otra manera los artistas independientes sostenemos nuestras carreras haciendo música?"

Schilling admite que durante lo peor del cierre, pensó en jubilarse, al igual que uno de sus principales clientes. Skynyrd comenzó una gira de despedida en 2018, que finalmente se vio interrumpida por la pandemia, lo que provocó un serio examen de conciencia. "Cuando les arrebataron el sustento a todos, decidieron 'Queremos salir en nuestros propios términos'". La gira en tándem de este año con ZZ Top arregla las cosas, agrega Schilling.

Ese tipo de pensamiento está muy extendido entre los profesionales que permanecen en el juego después de COVID. Desde muchos que trabajan como propietarios de lugares hasta gerentes de giras, equipos y artistas, la oportunidad de volver a la carretera supera los desafíos que inevitablemente enfrentarán. Hay muchos caminos profesionales más fáciles que trabajar en la industria de la música en vivo, pero pocos pueden compararse con sus recompensas.

Cambios entre bastidores y post-show

Antes de la pandemia, muchos artistas en gira organizaban sesiones de encuentro antes o después de sus espectáculos. Brindaron una oportunidad para la interacción entre fanáticos y artistas, y representaron un flujo de ingresos adicional para los artistas. Durante la era de la pandemia, esas sesiones desaparecieron, incluso para los nuevos espectáculos que aún podrían realizarse. Hoy, incluso cuando el distanciamiento social obligatorio ha desaparecido en gran medida, el estado de los encuentros y saludos ya no es lo que era.

"Mis últimos tres artistas no se están reuniendo y saludando, porque todavía existe la preocupación de COVID", dice David Norman, un promotor, director de gira, gerente y contador de toda la vida que actualmente está de gira con Evanescence; sus clientes anteriores incluyen a Prince, John Fogerty, Earth Wind & Fire, Green Day, Alicia Keys, Tyler, the Creator y muchos otros.

Norman señala que sus artistas reciben un golpe financiero al eliminar los encuentros y saludos. "Pero es mejor prevenir que curar", dice, señalando que un músico que da positivo por COVID puede "cerrar [actuaciones] durante semanas. Luego hay que desviar [la gira] y reembolsar el dinero a las personas que no No puedo venir a los espectáculos reprogramados".

Otros adoptan un enfoque diferente. "Lynyrd Skynyrd se reunirá y saludará", dice Schilling, y agrega que su equipo "quiere volver a la normalidad tanto como podamos, tan rápido como podamos". André Cholmondeley es músico, gerente de giras desde hace mucho tiempo y profesional de soporte técnico que trabajó como técnico de guitarra para el guitarrista de Yes, Steve Howe.

Antes de 2020, "si compraste el paquete para conocer y saludar, podrías darles la mano", dice. "Hubo muchos abrazos y fotos". Ahora la experiencia implica más saludos y choques de puños. Mientras tanto, Foreigner ha cambiado recientemente los encuentros y saludos por sesiones de preguntas y respuestas. "Todo el mundo se divierte mucho, y la banda no se aburre porque es diferente cada noche", dice Phil Carson, Tour Manager de la banda.

La vida lejos del público también ha cambiado.

"Un cambio importante en todos los ámbitos es la gran diferencia en el catering", dice Cholmondeley, quien recientemente estuvo de gira con Pat Metheny y Ani DiFranco. Antes de COVID, los artistas en gira y sus equipos solían encontrar un buffet entre bastidores. "Pedimos mucha más comida ahora", explica Cholmondeley. "Recibes un par de menús por mensaje de texto todos los días".

Carson señala que la banda ha encontrado una solución alternativa que les funciona. "Nuestra cantante Kelly Hansen es una chef que ganó un episodio de 'Chopped' de Food Network", dice con orgullo. "Tiene toda una gama de cocina en nuestro autobús de gira. Prepara el desayuno, hace tacos después del espectáculo".

Carson admite fácilmente que tal enfoque contrasta fuertemente con las cenas callejeras de rock'n'roll en los años 70. "En aquel entonces", dice con una carcajada, "¡fueron unas cuantas líneas de coca cola y una botella de Jack Daniel's!".

cerrando la brecha

A partir de marzo de 2020, las cancelaciones y las interrupciones provocadas por la pandemia resonaron en toda la industria de la música en vivo. Pero a medida que el sector empresarial entra en el tercer trimestre de 2023, la atención se centra una vez más en el futuro, y el optimismo cauteloso es la perspectiva predominante.

La temporada de festivales está oficialmente en marcha, con Coachella concluyendo dos fines de semana de emoción a gran escala, y una serie de otros eventos programados durante todo el verano que prometen varios meses activos para los músicos y equipos de gira. La gira Eras de Taylor Swift se está agotando rápidamente, mientras que la gira Renaissance de Beyoncé acaba de comenzar (con mucha fanfarria, como era de esperar). Parece como si las giras como las conocíamos una vez estuvieran volviendo a su lugar.

Incluso con su enfoque en la grabación (cuenta con dos álbumes, un EP, dos mixtapes y casi 30 sencillos), Sampa the Great enfatiza el atractivo de la música en vivo tanto para la audiencia como para el artista.

"Interpretar es la mejor manera de conectarse con una audiencia", dice ella. "Estás traduciendo tu música del audio a algo visual, algo físico. Cierra la brecha de solo escuchar a un artista o verlo en las [redes] sociales para realmente experimentar al artista".

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